“Ninguna querella ni intento de amedrentar va a evitar que la vicepresidenta haga ejercicio de su libertad de expresión, en este caso concreto para referirse a una información periodística”. Estas contundentes declaraciones vienen del equipo de comunicación de Yolanda Díaz, y las informaciones periodísticas a las que hace alusión las publicó elDiario.es y Univision Noticias a partir del pasado 13 de enero.

Estamos hablando de la exclusiva en la que dos exempleadas de Julio Iglesias acusaron al cantante de agresiones sexuales. Muchas personas se preguntan en qué punto está este tema. Hay varios frentes judiciales abiertos, así que vamos uno a uno:

Iglesias contra la Fiscalía

Rebeca y Laura (nombres ficticios), extrabajadoras de Julio Iglesias (del hogar y fisioterapeuta, respectivamente) acudieron a la Fiscalía de la Audiencia Nacional en España para denunciar unos hechos presuntamente ocurridos en Bahamas y República Dominicana. Para ellas, se trataba de diversos delitos de violencia sexual y contra los derechos de los trabajadores. Después de tomarles declaración y tras un breve periodo de reflexión, la Fiscalía archivó esta denuncia al considerar que España no tiene jurisdicción para investigar estos hechos. Dijo que no había suficientes “vínculos” de Julio Iglesias con España como para abrir una investigación.

A pesar del archivo, Iglesias no ha parado de solicitar el texto de la denuncia. Como no se lo dieron, ha acudido a la vía judicial contencioso-administrativa. La Fiscalía se opone a ello. Se espera en breve una resolución de este caso.

Iglesias contra la vicepresidenta del Gobierno

Yolanda Díaz fue citada a un acto de conciliación esta semana, el martes. Iglesias consideró que había emitido unas declaraciones injuriosas y calumniosas, debido a un mensaje en Bluesky y una intervención en La Hora de la 1. No deja de ser curioso que de las miles de personas que dieron su opinión sobre los testimonios en aquellos días, la única contra la que se quiera demandar sea un alto cargo del Gobierno de España.

“Las declaraciones de la vicepresidenta han respetado en todo momento la presunción de inocencia de Julio Iglesias y se han limitado a calificar de escalofriantes los testimonios de las extrabajadoras del artista, que le acusaban, en el marco de la investigación llevada a cabo por elDiario.es, de agresiones sexuales, insultos y humillaciones durante su jornada laboral, y que denunciaban un ambiente de control y acoso continuo”, comentaban las fuentes del entorno de Díaz. Cabe recordar que Iglesias calificó las acusaciones de Rebeca y Laura como de “absolutamente falsas”. El cantante madrileño ya anunció en un comunicado que defendería su “dignidad” ante un “agravio tan grave”.

En el acto en sede judicial, la representación legal de Yolanda Díaz no se retractó. ¿Y ahora qué? Iglesias tiene un año para querellarse. La agencia Efe y la página web de agitación que habitualmente goza de exclusivas en relación a la representación legal de Julio Iglesias, aseguraron que el cantante se iba a querellar. Cuando elDiario.es se puso en contacto con su abogado, desde su despacho nos dijeron que no habían tomado ninguna decisión.

Iglesias contra las periodistas

Con el mismo procedimiento que Yolanda Díaz, Julio Iglesias ha puesto una demanda de conciliación a elDiario.es, a cuatro periodistas (Ana Requena, María Ramírez, Juanlu Sánchez y Elena Cabrera) y al director del periódico, Ignacio Escolar. Nos acusa falsamente de hacer “un montaje” con “personajes figurados”. Tenemos el acto de conciliación la semana que viene y, de igual manera, ya hemos anunciado que no nos vamos a retractar. Veremos si finalmente hay o no hay querella.

Los extrabajadores contra Julio Iglesias (y viceversa)

Son dos hermanos, Rogelio y Eleuterio Villanueva, que trabajaron para Iglesias en el mantenimiento de la villa de Punta Cana durante años y fueron despedidos de manera fulminante cuando llegó la pandemia. Ellos consideran que merecen una indemnización por despido improcedente y por eso le denunciaron en República Dominicana.

Los Villanueva perdieron el primer juicio, recurrieron y ganaron en la siguiente instancia, que fue apelada por Iglesias. Ahora están esperando la resolución pues la semana pasada acabó el plazo de conciliación del último juicio. La sentencia puede tardar dos o tres meses en llegar, según su abogado. En declaraciones a elDiario.es, Rogelio Villanueva dijo hace unos días: “Hasta ahora solo tenemos esperanza. Nada más”. La representación legal de Julio Iglesias rechazó comentar sobre este caso.

Las mujeres denunciantes contra Julio Iglesias

Aunque la fiscalía archivó la causa, tal y como dijeron sus abogadas Laura y Rebeca seguirán buscando una vía de acceso a la justicia. Su batalla no ha terminado.

Hace un mes saltó la noticia. El Festival de Avignon, meca del teatro europeo, invitaba a Andrea Jiménez a presentar Casting Lear, la obra con la que ha triunfado por toda España y que se llevó dos Premios Max. Pero antes, esta joven directora afronta otro gran reto: estrenar nada menos que la Antígona de Sófocles en la gran sala del teatro catalán, la grande del Teatre Lliure. Su título ya da pistas, Contra Antígona. Jiménez ha ideado un dispositivo con el que la ciudadanía toma el centro.

La actriz, directora y dramaturga madrileña explica a este medio que Casting Lear no solo fue un gran éxito, sino que le hizo descubrir una relación posible con los clásicos desde un lugar que, en vez de hacerla desaparecer, la hacía aparecer. “Tenía ganas de seguir explorando en esa dirección”, afirma sobre esta Contra Antígona que estará en cartel hasta el 21 de junio y la temporada que viene llegará al Centro Cultural Conde Duque de Madrid.

En Casting Lear un actor, cada día diferente, era invitado a entrar en escena sin saber qué iba a pasar y recibía indicaciones desde un pinganillo para guiarle durante la función. Rompía con este elemento performático, de riesgo. Nunca se sabía qué iba a pasar en esta revisitación del clásico de Shakespeare, que también se apoyaba en un “teatro de autoficción” donde la vida personal de la creadora entraba en juego.

El dispositivo que ha levantado para esta nueva obra sigue esa estela rupturista. Un dispositivo que consiste, explica, “en invitar a 14 espectadores cada función, como voluntarios, para constituirse en el coro de la obra. Y la premisa es clara: si no hay 14 personas que acepten, la obra no se hace”, afirma Jiménez. Para los ensayos ha contado con más de 300 voluntarios para poder ir trabajando y afinando esta participación ciudadana.

“El coro será dirigido en directo a través de un sistema de audioguías que permita que vayan atravesando la tragedia”, continúa la directora, que ha querido revertir la evolución contemporánea por la cual el coro había perdido relevancia en pos de los personajes individuales. “Su papel es fundamental, es la voz del pueblo. De hecho, en Grecia lo constituían ciudadanos que eran elegidos por un corego y era un gran honor”, explica Jiménez.

Este sistema que recuerda a ciertos montajes de Roger Bernat como La consagración de la primavera. “Aquí las notas también son escénicas, pero buscan conectar al miembro del coro con lo que está pasando como si fueran cuerpos sintientes, buscando que reaccionen a lo que está pasando. Se trata de que en todo momento se tengan que preguntar qué lugar toman ante lo que está pasando. No son figurantes, sino una especie de experiencia ampliada del espectador y, por lo tanto, no son una masa uniforme, sino una unidad de diferentes sentires, posicionamientos y opiniones”, aclara la directora.

El coro en la obra de Sófocles tiene grandes parlamentos que llevará a cabo la figura del corifeo, encarnada por la actriz Olga Onrubia. Júlia Truyol, actriz que lleva años trabajando en el Teatre Lliure, será Antígona; Xavi Sáez, Creonte y Clara de Ramon, Ismene. La directora explica que el montaje se ha basado mucho en la versión que hiciera Jeroni Rubio hizo para la propuesta que La Perla 29 montó en 2007.

Además, el proyecto cuenta con uno de los grandes activos de la dramaturgia catalana, Victoria Szpunberg, con la que ya trabajó en montajes como Mal de coraçón y Vulcano. “El trabajo con Victoria ha sido largo. Primero trabajamos en una versión, pero nos fuimos dando cuenta de que, más que actualizar la obra, la apuesta que queríamos tomar era someter a los cuerpos de hoy, a ese coro, al texto de Sófocles. Ha sido un trabajo de escarbar más que de añadir. Es más, cada vez que hemos intentado añadir la propia obra lo expulsaba”, explica Jiménez.

Al hablar sobre el texto, la dramaturga destaca la complejidad discursiva y la gran dialéctica de Sófocles. “El reto es que ese discurso no se quede solo en razonamientos enfrentados, sino que se convierta en verdad y que esa conmoción se traslade al coro”, explica la directora, que confiesa estar obsesionada con el concepto de “felicidad pública” de la pensadora Hannah Arendt, que defiende que la plenitud y realización personal se alcanza exclusivamente a través de la participación activa en los asuntos políticos.

De ahí que la obra se base en ese gesto de ocupar el escenario. “Es un gesto muy sencillo, pero creo que es potente que esos cuerpos ocupen la sala grande del Teatro Lliure, que es como el epicentro cultural catalán. Es un acto fuerte de toma de la institución”, argumenta. “Para mí, Antígona tiene mucho que ver con cómo nos relacionamos con las instituciones y cómo estas instituciones son, por un lado, fundamentales para sostenernos y, por otro lado, a veces, opresoras o inaccesibles”, sigue.

La directora confiesa que el título, Contra Antígona, nació de un deseo de desafiar la manera más idealizada de montar este clásico como ideal de los valores de la justicia, la democracia y el amor: “Esa es una lectura peligrosa”, afirma Jiménez, que apunta que “Antígona, al final, actúa sola. Y este montaje quiere cuestionar el relato del héroe como atajo simplificado que provoca la ilusión de una solución y desbanca la posibilidad de la inteligencia colectiva”.

Contra Antígona plantea la pregunta de qué podemos hacer con los restos de la democracia, que en la obra están representados por unas ruinas gastadas, a punto de derrumbarse, pero que todavía se sostienen. “Es un dilema actual, hay muchos aspectos de la democracia que hoy están en riesgo. Por eso me he basado en los conceptos de antagonismo y agonismo de Chantal Mouffe, que proponen no resolver los problemas, sino aprender a vivir en sabiendo que a veces son irresolubles”, sostiene.

Jiménez se remite a la filosofa belga Chantal Mouffe, que define el conflicto como uno de los elementos constitutivos de las sociedades, y propone dos maneras de abordarlo: el antagonismo, es decir la lucha violenta entre enemigos, y el agonismo, ideal democrático en el que existe un enfrentamiento entre adversarios, pero reconociendo el derecho a existir del otro. “El agonismo de Mouffe requiere un entrenamiento ciudadano para saber vivir en esa situación en la que uno acepta que el conflicto es irresoluble. Ese es el dilema que queremos plantear y colectivizar en escena con el público”, defiende Jiménez.

La directora también señala otras muchas preguntas que suscita la obra, preguntas que incluso la atraviesan personalmente, “mi apuesta por el teatro ha sido siempre total. Por eso, cuando veo a la hermana de Antígona, Ismene, que rechaza apoyarla y decida apartarse de esa familia disfuncional, de ese sufrimiento acumulado, me parece una elección por la vida que me atraviesa”, explica la directora. “Incluso Ismene y Antígona se han convertido en conceptos que ya utilizo recurrentemente con mi terapeuta”, confiesa.

Esta madrileña de 39 años lleva un lustro frenético de actividad. Dice ser consciente de que está en uno de sus momentos más álgidos. Tras el estreno de Contra Antígona revela a este periódico que se meterá de lleno en la versión francesa de Casting Lear. “Ya la tengo traducida, pero ahora tengo que aprenderme el texto”, confiesa. El reto no es menor: Jiménez estrenará esta obra en la Ópera de Avignon, centro teatral neurálgico del festival que cuenta con más de 900 butacas.

En España, para Casting Lear invitó a grandes actores como Pedro Casablanc, Alberto San Juan, Miguel Rellán, Andrés Lima o Fernando Guillén-Cuervo. En Francia ya cuenta Denis Podalydès y con Éric Ruf, actor total de teatro que dirigió la Comédie-Française. Después, la obra recalará en París, en el Théâtre de la Ville, unas funciones para las que ya cuenta con actores de la talla de Jérôme des Champs o Marcel Bozonnet. “Soy consciente, es un sueño hecho realidad y vamos con todo”, concluye.

El escritor nicaragüense y Premio Cervantes 2017 Sergio Ramírez, ha sido elegido por el Pleno de la Real Academia Española (RAE) este jueves, para ocupar la silla L, vacante desde el fallecimiento de Mario Vargas Llosa en 2025. Ramírez es miembro de número de la Academia Nicaragüense de la Lengua.

Su candidatura fue presentada por los académicos Santiago Muñoz Machado, director de la Real Academia Española; Víctor García de la Concha, exdirector de la RAE y del Instituto Cervantes, y Luis Mateo Díez, Premio Cervantes 2023.

Para que la incorporación de su plaza sea efectiva, el escritor centroamericano tendrá que leer su discurso de ingreso, como marca la tradición de la Academia.

Ramírez, que participó en la revolución que derrocó la dictadura de Anastasio Somoza en 1979, vive actualmente en España debido a la persecución política que sufría en Nicaragua y ha sido despojado de su ciudadanía. El escritor, autor de más de 70 libros entre novelas, relatos, crónicas, y ensayos.

El Consejo de Ministros ha dado luz verde al real decreto que regula el Bono Cultural Joven, una ayuda de 400 euros dirigida a las personas que cumplen 18 años en la edición en vigor y que pretende fomentar el disfrute de productos, servicios y actividades culturales. Será la quinta edición de esta iniciativa, promovida por el Ministerio de Cultura. 

La esencia del Bono Cultural Joven no cambia, pero la edición de 2026 llega con importantes novedades: se hará más accesible a jóvenes de entornos desfavorecidos, la podrán solicitar como beneficiarios los solicitantes de asilo o las personas acogidas a protección temporal y se permitirá su uso para la compra de instrumentos musicales, material artístico y formación cultural. 

“Queremos que el Bono Cultural Joven no solo sirva para acceder a la cultura, sino también para hacer cultura. Porque la cultura no es únicamente consumo; también es práctica, creatividad, participación, comunidad y desarrollo personal”, resumió este martes el ministro de Cultura, Ernest Urtason, en su comparecencia tras la celebración del Consejo de Ministros.

Modalidades de gasto

Según detalla el ejecutivo, a partir de la edición de 2026, las personas que soliciten el Bono Cultural Joven podrán elegir entre dos modalidades. La primera, cursos y talleres de contenido cultural en modalidad presencial y en línea; instrumentos musicales y medios de creación y material artístico, hasta un máximo de cuatrocientos euros.

La segunda modalidad comprende un gasto entre las siguientes áreas:

¿Quién puede solicitar el Bono Cultural Joven?

Pueden solicitar el Bono Cultural Joven aquellas personas que cumplan 18 años en la presente edición y tengan la siguiente condición:

Ecologistas en Acción Castilla-La Mancha exige el cierre total o parcial de Puy du Fou hasta que se pueda “garantizar el buen estado de salud sanitario” del parque temático ubicado en Toledo, después de que este haya reconocido que se enterraron animales dentro del recinto y haya despedido a tres responsables. Todo ello tras cerrar la investigación interna con la que reaccionaron a la información publicada hace dos semanas en elDiario.es, en la que tres extrabajadores aseguraron que existió un cementerio de animales dentro del perímetro.

Dado que consideran que “es imposible tener la más mínima confianza en la actuación del Gobierno regional y de la empresa”, Ecologistas en Acción avanza que está ultimando una denuncia que trasladará a “los Juzgados de lo penal y a donde sea necesario, a ver si por esa vía es posible llegar al fondo” del caso que describen como “oscuro y lamentable”.

La organización critica la “ausencia de actuación” del Gobierno regional, en especial de las Consejerías de Agricultura, de Desarrollo Sostenible y de Fomento, a quienes tacha de estar “más preocupadas de proteger a la empresa que de prestar atención a las denuncias y a la seguridad de quienes visitan el parque temático”. Además, piden también “las disculpas y el cese” del Consejero de Fomento de Castilla La-Mancha, Nacho Hernando, por “sus descalificaciones a quienes han denunciado las actuaciones ilegales en Puy du Fou”.

En lo que respecta al comunicado emitido este miércoles por el parque temático, la ONG considera que “no supone más que una constatación de algo que ya estaba demostrado”; y afirman que su reacción ha sido una “estrategia de contención de daños clásicas” en este tipo de situaciones: “Trasladar la responsabilidad plena a jefes de equipo a los que no solo se les dejó hacer, sino que se les defendió ante las denuncias internas”.

Más allá de las declaraciones de Puy du Fou sobre el asunto del cementerio de animales y sus registros, sostienen que están tratando de “desviar la atención” sobre temas “más relevantes” como las presuntas acciones de maltrato animal, de daños al medioambiente y riesgo para la salud pública y animal“.

Puy du Fou ha despedido a tres responsables del departamento de animales. Los tres extrabajadores habían sido suspendidos temporalmente tras abrir una investigación interna sobre el entierro de especies dentro del recinto que fue denunciada por exempleados a elDiario.es. Una vez concluida, el parque temático ubicado en Toledo informa en un comunicado que “se ha constatado que, en determinados casos, se procedió al enterramiento de animales dentro del recinto”, y su decisión de “extinguir de la relación laboral con estos tres empleados”.

El parque temático abrió la investigación hace dos semanas, como reacción a las informaciones publicadas por este periódico, en la que tres extrabajadores aseguran que existió un cementerio de animales dentro del perímetro. Los responsables de los departamentos de animales y caballería obligaban a sus equipos, según contaron estos exempleados, a que enterraran especies como ocas, gansos, corderos, cabras, ovejas y conejos; además de restos de partos como placentas.

Se trata de una práctica ilegal, según la Ley de Bienestar Animal, de la que el máximo responsable de Puy du Fou España, Olivier Strebelle, fue informado por parte de una exempleada. También le advirtió sobre el maltrato sufrido por algunos animales, anomalías en los registros de nacimientos y muertes; así como del suministro de pienso en mal estado.

Antes de la publicación del artículo, desde Puy du Fou indicaron a elDiario.es que hasta la fecha “no tenían constancia” de que se estuvieran llevando a cabo las prácticas irregulares denunciadas (enterramiento ilegal de cadáveres de especies, maltrato y anomalía en los registros). Sin embargo, tras su difusión, decidieron abrir una investigación interna para “esclarecer los hechos y, en su caso, depurar las responsabilidades correspondientes”, según manifestaron a este medio. Dos semanas después, han despedido a tres responsables.

elDiario.es se ha puesto en contacto con la Consejería de Agricultura, Ganadería y Desarrollo Rural de Castilla la Mancha, pero esta “ha declinado valorar la decisión de Puy du Fou”.

Puy du Fou reconoce que hubo enterramientos

Puy du Fou explica en su comunicado que en la retirada y tratamiento en caso de fallecimiento de animales en el parque interviene la empresa SECANIM. Esta es la encargada de recibir el aviso de la muerte de especies, que se trasladan a un contenedor donde esta compañía recoge los cadáveres y levanta acta de las retiradas. El parque temático afirma que “se ha detectado que algunos responsables de animales han llevado a cabo irregularidades aisladas relacionadas con el incumplimiento de las normas establecidas para la retirada y gestión de cadáveres de animales fallecidos”. En concreto, indican que “en determinados casos, se procedió al enterramiento de animales dentro del recinto del parque”, confirmando la información que publicó elDiario.es.

Las informaciones de este periódico indicaron que el parque contó con un cementerio de animales dentro de su recinto durante al menos cuatro años, entre 2021 y julio de 2025. Puy du Fou afirma ahora que su investigación concluye “sin que haya indicios ni testimonios que apunten a que se haya llevado a cabo ninguna irregularidad con posterioridad a dicha fecha”.

La dirección estaba al tanto desde septiembre de 2025

Tal y como publicó elDiario.es, el parque temático señala que a finales de septiembre de 2025 fue informada de “cuestiones vinculadas al bienestar animal y determinadas prácticas dentro del equipo de animales”. Según señalan, a raíz de aquello “se aseguraron los sistemas internos de vigilancia para tratar de detectar dichas irregularidades, sin encontrarse en aquel entonces ningún indicio que confirmase las acusaciones”.

También señalan que recibieron “una denuncia anónima con el supuesto entierro de animales en el recinto”. Ese mismo día se produjo una inspección presencial por parte de la Policía Local, que “no encontró indicio que justificara las acusaciones y así lo reflejó en el acta policial correspondiente”.

Por último, el parque incluye en su comunicado una lista de compromisos que va a poner en marcha. Entre ellos, el refuerzo de los protocolos internos de supervisión y control aplicables al equipo de animales, el fortalecimiento de la interlocución con las autoridades y organismos competentes, la creación de un Comité de Bienestar Animal y la mejora de las instalaciones destinadas al cuidado y mantenimiento de los animales.

Si tienes alguna historia o pista que compartir sobre este u otros casos similares, puedes escribirnos a nuestro buzón seguro en pistas@eldiario.es

Desde que en 2021 iniciara su andadura, el Icónica Santalucía Sevilla Fest se ha convertido un referente para el mapa musical español y europeo. La cita estival, que se ubica en un espacio tan emblemático como la Plaza de España, volverá a reunir este año a miles de espectadores en torno a un cartel en el que figuran estrellas como Aitana, Raphael, Maroon 5, Robbie Williams, Lenny Kravitz, Isabel Pantoja & Il Divo, Jamiroquai, Viva Suecia, Pablo Alborán, Los Delinqüentes, Raphael, Dani Fernández, Hombres G, Marilyn Manson, Moby o Sting 3.0, entre otros.

Al frente de esta aventura está el empresario Javier Esteban, que conversa con Eldiario.es sobre el pasado, el presente y el futuro de Icónica.     

Hace un par de años hablamos de las posibilidades de crecimiento de Icónica, y nos dijo que todavía veía mucho margen para ello. ¿Se han confirmados sus expectativas?

La verdad es que Icónica nos ha sorprendido a todos, hasta a los que estamos detrás del proyecto. Siempre hemos visto que tenía un margen de crecimiento muy grande, pero también te digo que hubiera sido algo muy soñado posicionarnos en tan solo cuatro años como el festival de ciclo con más ventas en España. Y ahora, que cumple su sexta edición, estamos en números de poder decir, seguramente en septiembre, cuando acabe el verano, que ha sido el evento musical con mayor asistencia de toda España.

¿Y en fechas estivales, que tradicionalmente eran consideradas un desierto en Sevilla?

Sí, pensar esto desde Sevilla y para Sevilla, con el verano tan temido que ha habido aquí siempre... Cuando empezábamos era uno de los grandes retos que teníamos en la cabeza, entendíamos que era muy complicado conseguirlo. Y quizá podemos decir que lo hemos conseguido en tiempo récord, porque estamos hablando de superar las ventas y la asistencia de festivales como Primavera Sound, Arenal Sound o Mad Cool, que son marcas con muchísimos años y mundialmente conocidas.

Cuando Icónica nace, en plena pospandemia, la gente tenía muchísimas ganas de disfrutar de música en directo y de encontrarse, pero ese impulso se ha ido atenuando. ¿Qué es lo que ha hecho que Icónica, en cambio, sí se mantenga y goce de buena salud?

Eso es complicado saberlo. Yo tengo mi propia apreciación, y es que Icónica nació como un festival, como te decía, de Sevilla para Sevilla. Muchas veces eso no se tiene tan en cuenta en otras ciudades y se generan festivales para la gente que va de vacaciones o para un público más turista. Ese reto lo teníamos encima de la mesa cuando empezamos, porque todas las previsiones y los indicadores decían que Sevilla era muy mala compradora de entradas, que la gente no tenía interés por comprar entradas de conciertos. Por ejemplo, el Estadio Olímpico tenía un índice de solo un 8% de público sevillano cuando había conciertos. De hecho, nuestro primer año, siendo todavía 2021 y con los desplazamientos limitados por el COVID, y además con un cartel muy nacional, solo tuvimos un 21% de público sevillano. Pero trabajándolo con el máximo cariño e intentando contarle a los sevillanos que esto es un festival para ellos, y además haciendo un cartel muy acorde con lo que es esta ciudad, un cartel muy ecléctico, creo que hemos sido pioneros en mezclar en un mismo cartel a Prodigy con Siempre Así o ahora a Isabel Pantoja con Marilyn Manson. Eso ha permitido que sea un festival muy de ciudad, muy de la marca Sevilla, un festival incluso familiar, y que el sevillano le coja cariño a este evento, que además sucede en una época en la que antes todos mirábamos hacia fuera para irnos a la playa. Ahora es al revés: muchos sevillanos que están de vacaciones vuelven un miércoles o un jueves para ver un concierto y se marchan al día siguiente.

Se ha llegado a hablar de un 60% de público local...

Este año estamos por encima, casi en un 70%. Precisamente esta mañana [por el lunes] hacíamos repaso y ya hemos pasado, con las ventas de hoy, del millón cinco mil asistentes que van a pasar por Icónica. De esos, 614.000 son sevillanos, que corresponde más o menos a un sesenta y pico por ciento, pero en esta sexta edición estamos ya en el 68% de público local.

Antes de la crisis de 2008, Sevilla presumía de estar bastante integrada en el circuito internacional, luego vino la crisis y pareció perder ese estatus. ¿Podemos decir que Icónica ha devuelto a la ciudad al mapa de las grandes giras mundiales?

Sin duda alguna. Me preguntan mucho por el gran cartel que tenemos este año y, sin quitar mérito al departamento de booking, que hace una labor encomiable, te puedo decir que un gran porcentaje de los artistas que están hoy en este cartel son ofrecimientos de las propias oficinas. Al final el mundo de la música habla y ya existe una corriente dentro de los grandes tours internacionales que dice: “Oye, Sevilla”. Antes los artistas tiraban para Málaga, Madrid o Barcelona, y ahora piensan que uno de los sitios más interesantes es Sevilla. Sigue haciendo mucho calor, sí, pero tiene un espacio único y una producción de primerísimo nivel. Creo que nadie puede mejorar lo que hacemos aquí; podrán igualarlo, pero tecnológicamente estamos siempre a la última tanto en sonido como en iluminación. Y también es muy interesante para los artistas tener de fondo esos más de 600 móviles iluminando la Plaza de España, porque hacen un telón totalmente diferente a todo.

Del cartel internacional de este año, ¿hay algún nombre que le haga especial ilusión?

A mí, ilusión me hace todo, porque construir el cartel es algo que hacemos con muchísimo cariño y buscando que Sevilla se vea identificada en él. Pero es verdad que tenemos grandes nombres, ves ese cartel y es un poco como soñar despierto. Va a quedar para la historia y del que se hablará durante muchos años.

Ustedes han cuidado mucho el producto nacional e incluso hay un sello andaluz y sevillano muy acentuado. Hemos visto conciertos memorables Antílopez o SFDK, este año están Los Delinqüentes… ¿Ha sido eso, también, una seña de identidad?

Claro que sí. Nosotros nos sentimos parte de una industria de la que forman parte todos esos artistas que hoy tienen sus carreras más que consolidadas y otros que están por venir. Desde que empezamos con Icónica siempre hemos contado con el producto local. Si hacemos un festival en Sevilla y queremos que sea de Sevilla para los sevillanos, los artistas tienen que verse representados y sentir que tienen cabida en un festival cargado de estrellas internacionales, pero también de nuestras estrellas locales y nacionales. Este año, sin ir más lejos, tenemos a Isabel Pantoja, Califato ¾… El año pasado estuvieron Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Kiko Veneno, Raimundo Amador, Siempre Así. Ese es un poco el sello de este proyecto.

Se dice que uno de los grandes logros de Icónica este año ha sido juntar en el cartel a Isabel Pantoja y a Kiko Rivera, ¿ha sido tan difícil?

Ha sido un guiño más. Sobre todo porque Kiko llevaba varios años en los que se había planteado esa posibilidad y, por una cosa o por otra, no había surgido. Nos contaron que estaba disponible y que era posible por las dos partes, y lo vimos como un gesto bonito y un detalle más. Habrá mucha gente a la que le encantará ver eso y no deja de ser otro guiño a los sevillanos dentro del cartel de este año. Esa es la idea de siempre: un cartel que te permita ir con tus hijas un día, con tus amigos otro, con tu pareja o llevar a tus padres a otro concierto. Al final también somos el reclamo de esos regalos de Navidad recurrentes cada año, porque ofrecemos la posibilidad de regalar experiencias y, si son compartidas, mucho mejor.

Las controversias en torno a Icónica y los ruidos que ha habido en los últimos tiempos, ¿están completamente cerrados?

Sí. No ha habido juicio como tal. Ha sido una competencia mal entendida del promotor que organiza Concert Music en Chiclana, Noches de la Maestranza o Cabaret Festival en Mairena del Aljarafe. Durante seis meses estuvo diciendo que iba a demandar, denunciar y llevar el caso a la Fiscalía. Los medios le dieron voz durante ese tiempo, pero sin que hubiera nada presentado ni en el juzgado ni en la Fiscalía. Finalmente, a finales de noviembre o principios de diciembre se presentó una denuncia en Fiscalía y en poco más de veinte días quedó archivada. Era lo que siempre habíamos dicho. Además, se denunciaban cosas que no tenían ni pie ni cabeza. Nosotros hemos estado siempre muy tranquilos porque este es un proyecto iniciado con el anterior Gobierno del Ayuntamiento, basado siempre en la legalidad y en la normativa vigente. Luego hubo un cambio de Gobierno, nos reunimos con ellos, nos transmitieron que veían el festival como un proyecto muy importante para la ciudad y seguimos trabajando exactamente igual, con la misma honestidad y legalidad. Lo que pasó fue un ruido que se jugó más en los medios que en los juzgados, porque ya digo, ha quedado todo archivado.

¿Teme que quede la mancha?

Todo eso es un ruido que molesta porque intentas hacer las cosas bien y construir una marca sólida. Pero tener ya a 614.000 sevillanos que han decidido pasar por Icónica habla muy claro. En una capital de 700.000 habitantes y una provincia que no llega a los dos millones, demuestra que en seis años los sevillanos han acogido el festival de una forma espectacular. Y ahora, en vez de tener que pagar hoteles y desplazarse a otras ciudades para ver grandes conciertos, son ellos los que están en casa y tienen a las grandes estrellas en su propia ciudad.

Hay quien se queja de que dure poco, de que se acabe pronto. ¿Hay posibilidad de alargarlo?

No. Las ordenanzas tienen una limitación máxima y nosotros nos acogemos a ella. Este año tenemos 31 conciertos, 31 noches para disfrutar, y creo que hay tiempo suficiente para todo el que quiera venir. Lo que pretendemos es que sea un año con una temperatura que permita disfrutar de todo lo que está preparado.

No le voy a preguntar quién te gustaría que viniera y todavía no haya venido, porque imagino que la lista será larguísima, pero sí me gustaría saber si hay algún artista imposible.

Imposibles son Queen, Michael Jackson y Rocío Jurado. Esos tres los tendría en mi cartel si pudiera, pero eso sí es imposible. A partir de ahí depende mucho de los tours de cada artista. Hay artistas que vienen con formatos pensados para estadios y ahí no podemos entrar, porque nuestro aforo es de 18.000 personas. Pero cuando preparan shows más adaptados a arenas, sí pueden pasar por Sevilla perfectamente. Por ejemplo, Karol G ahora mismo trae un show de estadios y ahí tendremos que esperar otra ocasión. Pero no descartamos a nadie, salvo esos tres grandes iconos.

A mediados del siglo XIX surgió en Italia una innovadora técnica que permitía desprender las pinturas de las paredes, reduciendo al mínimo los daños en la obra de arte. A esta práctica la llamaron strappo. A principios del XX, los carpinteros que se habían especializado en arrancar murales entraron en España por Cataluña, originando una auténtica revolución en las pequeñas iglesias de los Pirineos.

José María Sadia y Andrea Morán visitan el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), para conocer, precisamente, cómo del strappo surgió la colección de pinturas románicas murales más importantes del planeta.

Contado así, parecería que la técnica italiana solo trajo bondades a nuestro país. Nada más lejos. La historiadora Milagros Guardia nos ayuda, en la segunda parte del capítulo 4 de La memoria en ruinas, a poner las cosas en su sitio. Con la experta recorremos la historia de cómo el valle leridano de Boí dijo adiós a las pinturas murales de sus templos a principios del siglo XX para evitar un más que seguro expolio, de qué forma vivieron sus vecinos este doloroso capítulo y, también, cómo se pueden explicar y divulgar hoy algunas de las obras maestras del románico mundial.

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También lo puedes escuchar en Youtube:

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Financiado por la Unión Europea – Next Generation EU

Yolanda Díaz ha rechazado retractarse de sus manifestaciones sobre Julio Iglesias, que este consideraba de caracter “injurioso y calumnioso”. Esa ha sido la posición de la vicepresidenta segunda y ministra de Trabajo en un acto de conciliación que se ha producido este martes por la mañana en un juzgado de Madrid entre la representación legal de ambas partes.

En su escrito al tribunal de instancia de Madrid, Iglesias solicitó un acto de conciliación en el que la ministra reconociera el daño, rectificase sus manifestaciones y le indemnizara con el importe en el que se fijaran “los daños causados en función de la difusión alcanzada”. Este acto es el paso previo obligatorio antes de la interposición de una querella. Fuentes del despacho de la defensa de Julio Iglesias no confirman a elDiario.es que vaya a proceder a la presentación de una querella ante el Tribunal Supremo, como afirman algunos medios.

La vicepresidenta no reconoce haber “ocasionado daño alguno ni directa ni indirectamente al artista”, según fuentes de su Ministerio. Díaz considera que sus intervenciones “se limitaron a comentar las declaraciones de terceros y los contenidos de los reportajes de prensa que se publicaron acerca de Julio Iglesias” y no considera haber “injuriado o calumniado al artista”. “Ninguna querella ni intento de amedrentar va a evitar que la vicepresidenta haga ejercicio de su libertad de expresión, en este caso concreto para referirse a una información periodística”, añaden estas fuentes.

“Testimonios escalofriantes”

El cantante presentó en febrero una demanda de conciliación contra Díaz por unos comentarios realizados por la vicepresidenta a raíz de la exclusiva publicada por elDiario.es y Univision Noticias, en la que dos extrabajadoras del cantante le acusaban de agresiones sexuales. Estas dos mujeres, de nombres ficticios Rebeca y Laura, interpusieron contra Iglesias una denuncia ante la Fiscalía de la Audiencia Nacional por presuntos delitos de abusos sexuales y laborales. Esta denuncia fue posteriormente archivada por la Fiscalía, sin entrar al fondo de los hechos y al entender que España carecía de jurisdicción para investigarlos.

“Escalofriantes testimonios de las extrabajadoras de Julio Iglesias. Abusos sexuales y una situación de esclavitud con una estructura de poder basada en la agresión permanente”, escribió Yolanda Díaz en un mensaje en su perfil de la red social Bluesky, en el que adjuntó un link de la primera información publicada por este periódico. 

Un día después, en una entrevista en el programa La Hora de la 1, Díaz afirmó que la investigación sobre las denuncias de dos extrabajadoras “da terror, da pánico, se concentran todas las vulneraciones de los derechos humanos en mujeres que además efectivamente estaban en una posición de inferioridad extrema”. 

“Las declaraciones de la vicepresidenta han respetado en todo momento la presunción de inocencia de Julio Iglesias y se han limitado a calificar de escalofriantes los testimonios de las extrabajadoras del artista, que le acusaban, en el marco de la investigación llevada a cabo por elDiario.es, de agresiones sexuales, insultos y humillaciones durante su jornada laboral, y que denunciaban un ambiente de control y acoso continuo”, indican las fuentes relacionadas con Yolanda Díaz.

“Desde el Ministerio de Trabajo se va a velar siempre por los derechos de las mujeres trabajadoras, sea cual sea el ámbito o el contexto, y se va a denunciar cualquier abuso de cualquiera que atente contra su integridad”, añaden.

Demanda contra los periodistas

Julio Iglesias también demandó a elDiario.es por las informaciones publicadas sobre las acusaciones de violencia sexual contra él. Un juzgado madrileño citó para el próximo 28 de mayo a los cinco periodistas de este periódico contra los que pretende querellarse Julio Iglesias a un acto de conciliación en los juzgados.

elDiario.es ya ha anunciado que no se va a retractar de lo publicado. “Para evitar la querella, Julio Iglesias exige algo que no va a suceder: que nos disculpemos y borremos nuestras informaciones sobre él. Nos reafirmamos en todo lo publicado porque nuestra investigación fue impecable”, afirma el director del medio, Ignacio Escolar. “No vamos a rectificar y tampoco tenemos nada que conciliar. Si tras esta demanda se querella contra nosotros, nos defenderemos en los tribunales. Allí demostraremos que nuestra información fue rigurosa, contrastada y veraz”.

Paralelamente, Julio Iglesias demandó también a la Fiscalía por no permitirle acceder al texto de la denuncia archivada. Este proceso se está llevando a cabo en una sala de lo contencioso-administrativo de la Audiencia Nacional. La posición de la Fiscalía considera que el cantante no ha visto vulnerados sus derechos fundamentales por no haber tenido acceso a la denuncia.

El músico Diego Vasallo (Donostia, 1966) ofrecerá este jueves un concierto en Bilbao al frente de su nuevo proyecto musical, el grupo Løse, que supone su regreso al formato de banda, con él como un integrante más. El concierto del ex de Duncan Dhu, que rechazó participar en la gira conmemorativa del dúo, tendrá lugar en la sala Lumiére, del Casco Viejo bilbaíno, a partir de las 20:15 horas. La actuación forma parte de la gira de presentación de su debut discográfico, de título homónimo y publicado en febrero.

El álbum contiene siete nuevas composiciones y ha sido producido por el guitarrista solista de la formación, Fer García (ILL, The Young Wait), quien ya produjo el anterior trabajo de Vasallo, el EP “Malo ni bueno”, en octubre de 2023, cuando ambos comenzaron a colaborar. El nuevo proyecto musical del donostiarra, en el que resuenan ecos de post-punk, Mark Lanegan y los más recientes discos en solitario de Vasallo, recala en la capital vizcaína tras haber ofrecido la banda apenas tres conciertos hasta la fecha, el último de ellos, este pasado sábado en su ciudad natal.

En declaraciones a Europa Press, Vasallo ha explicado que “la idea de formar una banda llevaba tiempo rondándome la cabeza”, ya que, ha subrayado, “se trataba de volver a vivir la sensación de formar parte de una banda de rock, dentro de un trabajo colectivo de principio a fin, desde el local de ensayo hasta los escenarios y el estudio de grabación”.

A raíz de colaborar con Fer García en su anterior EP, ha añadido, “y después de unas cuantas conversaciones, nos pusimos manos a la obra y empezamos a buscar a los demás componentes”, para lo cual, hablaron con el batería Oriol Flores y fue él quien contactó con el bajista Xabi Arratibel. “Ya teníamos un cuarteto para empezar a trabajar en las canciones que formarían el primer álbum de Lose” ha proseguido, momento en que el teclista Germán San Martín (Loquillo, Quique González) se incorporó como “el quinto elemento que daría forma al sonido del grupo encargándose de los teclados y aportando unas texturas suntuosas y sugerentes”.

Según ha explicado Vasallo, a la hora de crear las canciones y levantar el disco “buscábamos un sonido eléctrico, denso, rugoso y algo oscuro, como las brumas de los cuadros de Jesús Mansé, que aparecen en la portada y contraportada del disco”. Respecto a Mansé (seudónimo del poeta y letrista Jesús Mari Corman) Vasallo, que también pinta y expone regularmente, ha compartido con él varias exposiciones conjuntas ya que ambos comparten imaginario pictórico inspirado en el Romanticismo pictórico.

En ese sentido, Vasallo ha señalado que ve paisajes sonoros en muchas partes de los temas de Lose, puesto que “conectan con esos ambientes fríos y románticos de Mansé, como corrientes que atraviesan las canciones, mareas de sonido por debajo de la masa de guitarras ácidas y chirriantes”. Las letras de las siete canciones han sido escritas por Vasallo, mientras que Fer García se ha encargado de la parte musical en cinco de ellas, aunque aseguran que han compuesto y coproducido el disco juntos entre los dos.

En cuanto al sonido, el músico, que ha seguido una trayectoria musical en solitario alejada de la estética y el universo sonoro de Duncan Dhu, ha asegurado que “la electricidad de las canciones envuelve unos textos casi abstractos, libres, por los que circulan imágenes robadas a los campos y las costas de Gipuzkoa, desde donde fueron apareciendo las letras que terminaron de dar forma a estas siete piezas, largas y, en muchos pasajes, improvisadas”. En cuanto al significado del término elegido para bautizar al grupo, en los idiomas nórdicos esa palabra significa “soltar”, “desatar” o “resolver” y, tal y como ha corroborado el músico, “estas siete canciones, que dan significado a este primer trabajo buscan precisamente eso: desatar, soltar amarras, zanjar. Eso hemos intentado” ilustra el músico.

La próxima temporada del Teatre Nacional de Catalunya (TNC) tendrá inevitablemente algo de cierre de etapa. Carme Portaceli terminará en 2027 su tiempo como directora artística de la institución y este lunes ha presentado la que será su última programación antes de la llegada de una nueva dirección.

Lo ha hecho con un lema que vertebra todo el curso: Barcelona. La ciudad como escenario político, sentimental y cultural. La ciudad como memoria y como conflicto. La ciudad como lugar donde el teatro todavía puede ser un espacio de resistencia.

“Siempre he sentido un vínculo especial con Barcelona”, ha explicado la valenciana durante la presentación, recordando sus primeras visitas a la ciudad durante el tardofranquismo, cuando descubrió un lugar donde “había una libertad que en el resto de España no se encontraba”. Esa experiencia personal ha acabado impregnando una programación que mira a la capital catalana desde múltiples tiempos, lenguajes y fracturas.

La directora ha declarado, frente a un gran número de representantes del músculo escénico de la ciudad, que el teatro en Barcelona “siempre ha sido un lugar de esperanza”. De ahí que muchas de las producciones proyectadas dialoguen directamente con cuestiones contemporáneas como el auge de la extrema derecha, la violencia institucional, la memoria democrática, el feminismo o el desarraigo de la inmigración.

La despedida de Portaceli llega, además, en un momento de buena salud para el TNC. Según apuntó Joan Francesc Marco, Presidente del consejo de administración del TNC, la ocupación media de esta temporada 25-26 ha alcanzado el 82% y con un 25% del público joven.

Marco, también reivindicó el crecimiento internacional de la institución y su voluntad de consolidarse “como el teatro de toda Catalunya y no solo de Barcelona”. El presidente puso especialmente en valor el trabajo educativo y social del equipamiento, dirigido a estudiantes, docentes y familias. “Los niños son el público de hoy. Mañana serán el público del futuro, un público muy formado”, afirmó.

Barcelona como mapa emocional y político

Pero hablemos ya de algunas de las piezas que se presentarán durante la temporada 2026-2027, una programación que alternará grandes producciones, teatro político, danza, circo y proyectos híbridos.

Todo arrancará el 19 de septiembre con Repetir, repetir, repetir, un concierto, del que habrá dos únicas funciones, creado específicamente para el TNC por Sílvia Pérez Cruz, que recuperará el quinteto de cuerda con el que grabó Vestida de nit hace diez años.

Otro de los montajes más destacados será El Cadell, un nuevo texto de Josep Maria Miró escrito por encargo del TNC. La obra transcurre en una casa pairal dominada por una figura masculina mientras son las mujeres quienes sostienen realmente la estructura familiar y emocional. El texto recorre varias generaciones para hablar del peso de la herencia y de los silencios acumulados por las mujeres a lo largo de la historia.

También sobresale Songe, la particular relectura de Sueño de una noche de verano dirigida por Marcial Di Fonzo Bo, que incorpora Comedia sin título de Federico García Lorca en su tramo final. El montaje, concebido en varias lenguas y con intérpretes procedentes de distintos países europeos, explora la frontera entre realidad, sueño y revolución.

El teatro recupera también La tercera fuga, de Victoria Szpunberg, uno de los grandes éxitos recientes del TNC, que volverá a escena a finales de enero de 2027 y emprenderá gira tras haber tenido una excelente acogida de público y crítica en su anterior paso por Barcelona.

En paralelo, el TNC continuará reforzando las colaboraciones internacionales que Portaceli ha impulsado durante su mandato. La directora destacó el crecimiento de la actividad exterior del teatro, las alianzas con instituciones europeas y la participación en la Union des Théâtres de l'Europe, que permite intercambios entre actores, directores y creadores de distintos países. “Todas estas colaboraciones se irán ampliando”, ha asegurado.

Teatro contra la indiferencia

Como decíamos, buena parte de la programación está atravesada por preocupaciones contemporáneas y, especialmente, por el vínculo entre juventud y violencia social. La llei de la gravetat, de Pep Farrés, Biel Rossell y Daniela Feixas, aborda el abandono escolar y la expulsión simbólica de quienes quedan fuera del sistema educativo. “Queremos seguir posicionándonos como un puntal en tratar los temas que más preocupan a los jóvenes”, ha defendido Portaceli.

Más explícita todavía es La ràbia, de Josep Julien, centrada en el acercamiento de algunos adolescentes a discursos ultras y comunidades de extrema derecha en internet. Basada en un caso real, la obra sigue el proceso de radicalización de un joven tras una agresión violenta. El espectáculo también formará parte del Festival Zero y viajará a Budapest.

Otro de los proyectos con mayor carga política será 450 volts, creado por Marta Gil Polo y Marta Barceló a partir de la memoria de las torturas en la comisaría de Via Laietana, 43. El montaje llega en un momento en el que sigue abierto el debate sobre la conversión del edificio en un espacio de memoria democrática. La obra reunirá testimonios de víctimas y antiguos agentes policiales para reflexionar sobre la violencia institucional y los mecanismos del poder.

La programación también mira hacia Oriente Medio con una nueva edición de Barcelona Calling L’Orient Mitjà, el festival internacional impulsado por el TNC que este año lleva por subtítulo Les dones es reinventen. Participarán artistas de Líbano, Palestina, Irán, Siria y Egipto. “Como teatro del mediterráneo occidental no podemos dejar de mirar a esa otra parte del Mediterráneo”, señaló Portaceli.

Rodoreda, Roig y Brecht para leer el presente

La literatura catalana también ocupará un lugar central en esta última temporada. En noviembre Portaceli dirigirá L’hostal de les tres Camèlies, de Mercè Rodoreda, una obra atravesada por la violencia y el inmovilismo social de la posguerra. “Rodoreda ve una España y una Cataluña en la que el reloj no se mueve”, explicó la directora. En el montaje, coproducido con el Teatre Principal de Palma, los diferentes actores hablarán en sus propias variantes del catalán como el mallorquín, el valenciano o el andorrano.

También destaca Roig i violeta, inspirado en El temps de les cireres y L’hora violeta de Montserrat Roig. La producción reconstruye una Barcelona herida por la memoria del franquismo y pone el foco en las mujeres que quedaron fuera del relato oficial de la historia.

A ellas se suma Nada (No res), adaptación catalana de la célebre novela de Carmen Laforet, que recupera la Barcelona gris y devastada de la posguerra a través de la mirada de Andrea.

Pero la gran producción de la temporada será probablemente La mare Coratge i els seus fills, dirigida por Josep Maria Mestres a partir del clásico antibelicista de Bertolt Brecht. Con Emma Vilarasau al frente del reparto, el montaje quiere dialogar con las guerras contemporáneas y con la normalización del sufrimiento ajeno.

Una despedida abierta al riesgo

La programación también reserva espacio para propuestas más experimentales y formatos híbridos. El proyecto 365 dones l’any volverá a reivindicar, en El Born Centre de Cultura i Memòria, figuras femeninas fundamentales para la historia de Barcelona. La próxima edición estará dedicada por primera vez a una mujer viva, la activista vecinal y feminista Custodia Moreno.

Entre las propuestas más singulares aparece [The Frame], de la compañía Eléctrico 28, que convertirá lugares y escenas reales de la ciudad en un escenario improvisado observado por un público reducido mediante auriculares y acciones en directo.

Portaceli también quiso destacar Delay the Sadness, de la coreógrafa israelí Sharon Eyal, convertido en uno de los fenómenos recientes de la danza europea tras su paso por París, y Barber Shop Chronicles, un montaje internacional, que llegará a la Sala Gran en marzo de 2027, sobre las barberías afrodescendientes como espacios de identidad, memoria y comunidad.

La temporada culminará con uno de los nombres más radicales de la escena europea: Angélica Liddell. Su nuevo proyecto, 00:01 La creació, se desplegará durante siete días consecutivos con variaciones distintas de una misma pieza. Una especie de ritual escénico mutante que apunta bien al espíritu de esta última programación de Portaceli: un teatro dispuesto a provocar, experimentar y mirar de frente las fracturas del presente.

El CEO de la mayor productora francesa de cine, Canal+, ha señalado que el grupo dejará de trabajar con los cientos de artistas que firmaron una carta abierta en la que expresaban su preocupación por la creciente influencia del multimillonario de extrema derecha Vincent Bolloré en el grupo.   

La carta, publicada la semana pasada coincidiendo con la inauguración del festival de Cannes, fue firmada por más de 600 artistas, incluidos la actriz Juliette Binoche, el actor catalán Sergi López, el director y fotógrafo Raymond Depardon, la cineasta francoiraní Sepideh Farsi y el director Arthur Harari, que coescribió la ganadora al Oscar Anatomía de una caída.  

En la carta denunciaban que al “dejar el cine francés en manos de un dueño de extrema derecha” no solo se corría el riesgo de “una homogeneización de las películas, sino de una toma de control fascista del imaginario colectivo”. 

Bolloré, un empresario industrial conservador, posee un poderoso imperio mediático, que incluye a Canal+ y StudioCanal, el mayor grupo de producción y distribución televisiva en Europa. Entre las últimas películas de StudioCanal están el biopic de Amy Winehouse Back to Black y Paddington en Perú. Bolloré también posee el canal CNews, la cadena de radio Europe 1 y el periódico dominical Le Journal du Dimanche.

Este domingo Maxime Saada, director ejecutivo de Canal+, tachó la carta de los artistas de “injusticia” y advirtió de sus intenciones de dejar de trabajar con quienes la hubieran firmado. “Es una injusticia hacia los equipos de Canal+, que están comprometidos con la defensa de la independencia de la cadena y con la diversidad de sus opciones”, dijo Saada en Cannes. Y añadió: “No trabajaré, no quiero que Canal+ trabaje con las personas que han firmado esa petición”. “Si algunos llegan a calificar a Canal+ de 'cripto-fascista', entonces no puedo aceptar colaborar con ellos. Ahí está el límite”, subrayó después.

En la carta abierta, centenares de personas del mundo del cine denunciaban que Canal+ ya había adquirido un tercio del capital de UGC, la tercera mayor red de salas de cine en Francia, con la intención de adquirir el 100% en 2028. Afirman que Bolloré estará “en posición de controlar por completo la cadena de fabricación de películas, desde su financiación hasta su difusión en la pequeña y gran pantalla”. 

“Detrás de su traje de hombre de negocios”, escriben en la carta, Bolloré “no oculta que está llevando a cabo un ‘proyecto de civilización’ reaccionario de extrema derecha a través de sus canales como CNews y sus editoriales”; por eso temen que ese control se extienda también al cine. “Si bien la influencia de esta ofensiva ideológica sobre el contenido de las películas ha sido de momento discreta, no nos hagamos ilusiones: pronto cambiará”, advierten. 

Un escándalo similar ya se produjo en la industria editorial. En un movimiento sin precedentes, más de un centenar de autores dejaron el mes pasado la editorial Grasset en protesta por el control de Bolloré sobre su empresa matriz, Hachette. “Nos negamos a ser rehenes de una guerra ideológica que busca imponer el autoritarismo en todos los ámbitos de la cultura y los medios de comunicación”, expresaron los escritores.  

Este año en Cannes se han oído abucheos al aparecer en pantalla el logo de Canal+ durante varios pases del Festival, incluido el de la película inaugural, The Electric Kiss. 

En 2022, durante una sesión en el Senado francés, Bolloré rechazó el intervencionismo político o ideológico y aseguró que su interés por adquirir medios de comunicación era puramente financiero y que su imperio cultural trataba de promover el soft power francés.

Después de la revuelta de los escritores el mes pasado, Bolloré respondió en Le Journal du Dimanche que quienes se habían ido de la editorial eran “una pequeña casta que se cree por encima de todo y de todos”. “En cuanto a los ataques contra mi ‘ideología’, repito una vez más: soy democristiano”, escribió hace un mes.  

Esta semana se nos fue Jack Taylor, un grande de lo que aún se llama “serie B”. No es una expresión que me agrade demasiado; en mi opinión, oculta más de lo que enseña y tiende a no definir gran cosa: en primer lugar, porque no hay subgéneros absolutos; en segundo, porque hay obras buenas, regulares y malas en cualquier forma de expresión y, en tercero, porque los tratamientos y las tramas de lo que vendría a ser —por contraposición— una serie A se han vuelto tan reiterativos y previsibles en general que, por mi parte, los considero una especie de pulp burgués. Ni la vieja y más seria diferencia de presupuesto económico, que trazaba una línea divisoria, dice nada a estas alturas. Y frente a un planteamiento comercial atascado, de tapón pasado de rosca que gira y gira sobre sí mismo sin abrir botella alguna, hasta las obras de menor calidad técnica parecen joyas si ponen algo nuevo sobre la mesa.

En circunstancias normales, este artículo sería un homenaje a aquel actor estadounidense que trabajó a las órdenes de directores como Corona Blake, Jesús Franco, Paul Naschy, John Millius y Roman Polanski y dejó dos autobiografías sin duda interesantes (Cuento lo que mi disco duro me permite y Mis 100 años de cine). Lo sería porque lo merece, y también lo sería por la importancia que tuvo para mi generación y alguna más, que crecimos viendo sus películas en un mundo ya desaparecido; en uno donde era fácil que hubiéramos visto casi todo el cine clásico al llegar a la adolescencia y, además, por poner el asunto en contexto, se fuera adicto a todo lo que proyectaban los cinestudios. Pero supongo que el domingo, cuando se publiquen las líneas que tienen ante ustedes, la prensa habrá hecho justicia a Taylor y al género que le hizo famoso, a diferencia de lo que habrá pasado con otro género y otra artista, fallecida igualmente el martes: Tania Doris, una de las pocas vedettes del antiguo Paralelo barcelonés que seguía con vida, tras la muerte hace unos meses de Merche Mar.

Hubo un tiempo en que los espectáculos de variedades ocupaban un espacio central en el paisaje cultural de nuestro país. Durante décadas, contaron con espectadores –y a veces protagonistas indirectos– de la categoría que mencioné una vez aquí mismo, como apellidos como Barga y Valle-Inclán (ver “Los pasos contados”) y, cuando los nacionales destruyeron la práctica totalidad de lo bueno que se podía destruir, siguieron siendo espacios de libertad, aunque limitados por la moral y las leyes del régimen. Se hacía lo que se podía; al principio, desde números y chistes tan blancos como el que contó la grandísima vedette que fue Mary Santpere en la entrevista que le hizo Pablo Lizcano en “Autorretrato” (TVE-1, 1985); después, tras la apertura relativa de la década de 1960, con más filo y, frecuentemente, entre apariencias como la del descubridor de Lina Morgan y Tania Doris, Matías Colsada, que ocultó su pasado republicano y se inventó o le inventaron una identidad y una biografía completas que le permitieron convertirse en uno de los principales empresarios de paredes.

Quien tenga interés en la aventura de Colsada debería echar un vistazo al capítulo que Juan Antonio Ríos Carratalá, autor de textos tan relevantes como Los consejos de guerra de Miguel Hernández, le dedica en De mentiras y franquistas. Pero, volviendo a la revista, el vodevil, el cabaret y demás, lo que acabó convirtiéndolos en una clase distinta de “serie B”, la derivada de la pérdida de influencia social, de acabar en un ámbito minoritario, no fue ni la censura ni la competencia de las salas cinematográficas; fue la comodidad del cine grabado (ahora serían las plataformas) y una serie de decisiones políticas que se demostraron nefastas, como ocurrió con el sector de Taylor tras la ley Miró, que se cargó el cine fantástico español con la fantástica excusa de hacer obras de calidad. Básicamente, lo que dice el chiste de Santpere, sobre un tipo que está disparando a los pájaros durante horas y que al final, harto de no cobrarse una pieza, pega otro tiro y suelta: “Matar, no te mataré, pero te echaré de España”.

Si no nos andamos con cuidado, llegará un día en que todas las expresiones artísticas ajenas al comercialismo audiovisual se consideren marginales y lo sean en la práctica, por falta de público o de lectores, porque una parte de la música y la literatura también sufre esa situación. Por ejemplo, es cierto que nuestras tablas no han tenido nunca tantos problemas como tienen ahora, pero lo es aún más que jamás se han leído menos obras de teatro, para vergüenza del país y desaprovechamiento de nuestra magnífica y altamente entretenida historia dramática. En un mundo donde todo tiene que ser igual, todo lo que no lo sea es “serie B”; aunque, en este caso, los monstruos de cartón piedra no pertenezcan precisamente a ella.

Non o disimulaba, ao contrario. A súa escritura estaba situada, había un programa. “Intentar a construción dunha narrativa explicitamente feminista”, resume María Xesús Nogueira, unha das especialistas na súa obra. Nunca desatendía, porén, a pescuda formal. As dúas novelas que publicou nos seus 50 anos de vida asaltan Homero e Cunqueiro e devolven a outra face da mitoloxía: a ollada das mulleres, a emerxencia do negado. “O bo das feministas é que o dicimos abertamente, non existe a neutralidade, tampouco na literatura”, declaraba Begoña Caamaño nunha entrevista meses antes de morrer, en 2014, debido a un cancro. A Real Academia Galega dedica o Día das Letras á autora de Circe ou o pracer do azul (Galaxia, 2009) e Morgana en Esmelle (Galaxia, 2012), inseirida nunha longa xinea de escritoras que procuraron politizar a literatura para subtraela á dominación patriarcal.

“Begoña abriu un camiño cun obxectivo claro”, concorda Lara Rozados, canda Charo Lopes autora do estudo Begonha Caamanho, uma das nossas (Através editora, 2026), “reconstruír os arquetipos da mitoloxía, aqueles que practicamente nos configuran como civilización, os clásicos e os célticos”. Circe ou o pracer do azul, a primera das novelas publicada case por sorpresa por esta xornalista radiofónica nada en Vigo en 1964, protagonízana Circe e Penélope, que cruzan cartas e informacións sobre Ulises, Laertes ou Telémaco. “Oh, magnifica Penélope, se de verdade quixerdes fuxir dun mundo feito á medida dos homes”, escribe cun coidado estilo que arremeda a literatura grecolatina, “consagrádevos a deidades más favorábeis ás mulleres”. Morgana en Esmelle, por outra banda, recompón o mundo artúrico e, en diálogo coas reapropiacións que Cunqueiro ensaiara no Merlín e familia (1955), coloca a Morgana, filla do rei Gorlois e da súa muller Igraine, no centro dunha trama sobre a asunción das consecuencias. Cando morreu, Caamaño, feminista militante, sindicalista e significada independentista de esquerdas, recollía documentación para escribir a terceira pata da triloxía, dedicada a Sherezade e o universo das Mil e unha noites.

Christa Wolf, Atwood, Angela Carter

“Non é tanto que rescriba os mitos, senón que coloca o foco noutro lugar. Desenterra as historias que hai por debaixo da Odisea ou da Materia de Bretaña”, engade Rozados. A estratexia enlaza co facer de autoras como a alemá Christa Wolf en Cassandra (1983), a canadiana Margaret Atwood en The Penelopiad (2005) ou a británica Angela Carter a respecto dos contos populares. Nas letras galegas fora, porén, un método menos habitual. Rozados menciona Amantia (1984), a novela de María Xosé Queizán (Vigo, 1939) dedicou ao círculo de mulleres ilustradas que acompañaba ao bispo Prisciliano na Galicia do século IV, e, da mesma autora, a obra de teatro Antígona, a forza do sangue (1989), que traslada o mito grego ao Reino de Galicia de Don García, no século XII. María Reimóndez, ela mesma novelista, ensaísta e tradutora, coincide: María Xosé Queizán é talvez a máis egrexia das narradoras feministas galegas. “Buscamos as nosas devanceiras, buscamos as nosas iguais e buscamos as que virán”, engade Reimóndez, para quen o feminismo na literatura depende sobre todo de dous aspectos, “a mirada e a intención da escrita”.

Pero tamén Queizán, que ten 87 anos e publicou en 2015 a súa última novela -Son noxento- e en 2020 o seu último ensaio -Despoxos e vísceras ilustres- ten devanceiras. María Reimóndez vai tan atrás que chega á poeta fundacional da literatura galega moderna, Rosalía de Castro (1837-1885), pero sinala entre as contemporáneas a novela Adios, María (1971), de Xohana Torres (1929-2017), publicada por primeira vez en Bos Aires. “Xunta a conciencia de clase e a conciencia de xénero”, argumenta sobre un clásico de culto que relata, mediante unha técnica avanzada que inclúe monólogo interior ou saltos temporais, a historia dunha adolescente cuxos pais emigran a Francia. Lara Rozados está de acordo e mesmo aventura unha comparación: a súa protagonista, María, queda no país mentres os seus pais marchan e “non deixa de ser unha pequena Penélope”.

Máis escéptica respecto dunha xenealoxía da narrativa feminista na literatura galega é María Xesús Nogueira. “Entendo que na poesía, especialmente na dos 90, a relectura de Penélope é unha tradición gritante”, aduce, non poucas das poetas desa xeración en diálogo aberto co célebre EU TAMÉN NAVEGAR de Xohana Torres -o poema e a poeta que Caamaño elixiu para o pórtico de Circe ou o pracer do azul. “Pero”, engade Nogueira, autora con Ana Romaní de Volveredes brindar por min. Unha biografía de Begoña Caamaño (Galaxia, 2026), “resúltame máis complicado pensar en antecesoras da obra de Caamaño, fóra de voces illadas. Agora os tempos mudaron e si apareceron”. A nómina da novela feminista contemporánea, ou da novela atravesada de feminismo, aumenta a cada paso. O último premio Follas Novas á mellor novela, Punto de araña (Galaxia, 2025), de Nerea Pallares, sen ir máis lonxe, unha historia de realismo lírico e á vez fantástico localizada en Camariñas, na Costa da Morte, onde as palelleiras exercen de demiúrgas secretas do mundo.

“A escritura feminista non é só un estilo ou o tema”

“Se algo é relevante en Begoña Caamaño é a súa coherencia”, sostén Reimóndez, “e esa coherencia provoca ás veces rexeitamento, porque é como un espello. Un espírito coherente entre discurso, obra e acción semellante véxoo en contemporáneas como Eli Ríos ou Susan Sánchez Arins. A escritura feminista non é só un estilo ou uns temas, é tamén participar na sociedade”. Ríos e Sánchez Arins, como Reimóndez, fan parte do activo blog de crítica literaria feminista A Sega. Lara Rozados amplía a taxonomía e mesmo estabelece subdivisións: se a segunda e moi celebrada novela de Teresa Moure, Herba Moura (Xerais, 2005), facía que a raíña Cristina de Suecia discutira a Descartes, ambos os dous namorados en secreto, Berta Dávila asenta a súa escritura, limpa e profunda, na experiencia e nesa tan discutida e presente etiqueta, a autoficción, en obras como Illa Decepción (2020) ou Os seres queridos (2002). Rozados fala ademais da “distopía feminista” do Clan das barbies (2024), de Antía Yáñez, ou da reconstrución histórica de Besta do seu sangue (2018), en que Emma Pedreira revisa cunha sorte de lirismo escuro e perspectiva de xénero a figura de Romasanta, o célebre licántropo de Allariz.

“Existe unha vontade común de recoller a tradición, a historia ou a mitoloxía e darlle outra forma, outra ollada, a das subalternas”, sintetiza Rozados a súa análise da narrativa feminista galega. Ese foi, finalmente, o programa da breve pero intensa e recoñecida obra -Morgana en Esmelle obtivo case todos os galardóns de narrativa no ano da súa publicación- de Begoña Caamaño. María Reimóndez e María Xesús Nogueira tamén apuntan ao coidado da forma e ao seu modelo de escritura. “Ás veces pénsase que a escritura feminista son os temas e déixase de lado a innovación formal”, entende Reimóndez, “e a forma é o que que máis me interesa de Caamaño”. A propia escritora, que por certo non gustaba de se considerar escritora, explicábao durante unha presentación do Morgana en Compostela recollida no libro de Rozados e Charo Lopes: “Eu non creei as mulleres das que falo. Tampouco eu as re-invento. Non me cómpre facelo: existen de seu e están en todas partes”. A literatura, finalmente, como mecanismo para alumear zonas que ficaban, por séculos, en sombra.

Ai Futaki se sumerge en el mar y se mira en los ojos de las ballenas. “Son muy sabias, son como chamanes. Cuando las miro de cerca siento que me dicen que hay que buscar la verdad, ser honestos”. El investigador y doctor en Biología Michel André sueña con la posibilidad de comunicarse con estos animales gigantes que habitan el mar hace más de 35 millones de años. Y aprender de ellos, de sus experiencias. Futaki, récord Guinness mundial de doble apnea y André están en Menorca, convocados por el espíritu de Albert Camus. Sus ideas regresan cada primavera a la isla en la que nació su abuela materna en unas Trobades (encuentros) que en esta ocasión han convocado a reflexionar sobre el concepto de fraternidad.

“El verdadero desafío es conseguir que el otro importe. Afrontar el reto cotidiano de cómo educar en la empatía y en la solidaridad”. Abre el debate el profesor y ensayista Antonio Monegal. “Quizá la fraternidad consista en recuperar la palabra camarada como una forma de vida. Un vínculo que reconoce la lucha, la idea de que estamos vinculados por una utopía, una idea de futuro: encontrar el sentido de la vida en medio del desastre”. Estas Trobades, dice, son un compromiso por la utopía, la idea de que luchamos por algo que no está todavía aquí.

La filósofa y psicoanalista francesa Cynthia Fleury, que trabaja desde su cátedra en el hospital psiquiátrico Sainte-Anne de París, asiente y niega, nos mira y nos invita a dejar las grandes ideas de lado y concentrarnos en la práctica. “La fraternidad surge muchas veces de la empatía ante algo negativo. Hay que luchar contra los estigmas. Convertir la vulnerabilidad en un elemento de transformación”. Los migrantes nos están enseñando vulnerabilidades de otras culturas que nos servirán para el mañana. Tenemos que activar protocolos que nos ayuden a generar fraternidad en un escenario degradado. Así evitaremos convertir nuestra vida en degradante, dice. “Y eso también nos lo enseña Camus. Por eso hacemos investigación en un hospital psiquiátrico. Trabajamos con médicos, enfermeras, pacientes, familias. No solo están los grandes enemigos, hay muchos pequeños enemigos que intentan frenar los avances. Pero no hay que rendirse. Hay que dar la batalla. No vamos a transformar el mundo, pero sí muchas vidas. Con cambios a nivel individual vamos a poder fabricar la victoria para otros”.

La fraternidad surge muchas veces de la empatía ante algo negativo. Hay que luchar contra los estigmas. Convertir la vulnerabilidad en un elemento de transformación

Cynthia Fleury — Filósofa y psicoanalista

Alain Doressoundiram, astrofísico francés nacido en Argelia, como Camus, nos invita a viajar por el espacio para hablar de la solidaridad silenciosa que el cosmos nos enseña, cambiar de escala, ser más humildes. “La evidencia se impone, no somos ni el centro ni la medida de todo. Esta toma de conciencia en vez de abrumarnos puede unirnos. Nuestro mundo es precioso, es único y vulnerable. A medida que nos vamos alejando las fronteras desaparecen, somos minúsculos. Vistos desde lejos formamos parte de una misma fragilidad. Todo en la astronomía nos invita a renunciar al privilegio cósmico y esta renuncia es liberadora”, asegura. Conecta muy bien con la idea de la fraternidad relacional. Existir no es estar por encima, es estar con, en el seno de un tejido más amplio de dependencias y vínculos.

Lina Soualem, cineasta y actriz, nacida en París, hija de palestina y argelino, aterriza las palabras de Alain, el astrofísico, en la realidad de los conflictos presentes: “Creer en la abolición de las fronteras no parece posible con un norte dominante y un sur sometido. Es muy difícil generar empatía cuando vivimos bajo los misiles”. Lina nos habla de su padre, Zouzou, hijo de obreros argelinos emigrados a Francia, que decidió ser mimo a los 18 años. Utilizar el silencio para encontrar un lugar en el mundo. Ser mimo para tener voz, enlazando así con la idea camusiana de la fraternidad como conexión sin palabras o conexión silenciosa.

Recuerda, también, a su madre. Nacida en Nazaret, Galilea, en una familia de 10 hermanos. Empezó como actriz en la Compañía Nacional Palestina en Jerusalén y después hizo una carrera internacional en Europa. Y nos habla de la toma de conciencia de sus múltiples identidades y de cómo crecer en Francia le privó en cierta forma de una sensación de plenitud, coartada por los estereotipos que se viven en torno a las identidades árabes, sobre todo las musulmanas.

Lina pregunta a Alain, que también nació en Argelia, como los padres de Zouzou, cómo podemos pedir a alguien que ha sido bombardeado que piense en la Tierra cuando no es capaz de protegerse a sí mismo. Alain, abrumado, reconoce: “El que tiene más acceso al poder y la cultura es el que bombardea, no el bombardeado”.

La sucesión de debates continúa. Una especie de maratón sobre fraternidad, hermandad y sororidad, bajo la luz del mediterráneo y de Albert Camus, premio Nobel de Literatura en 1957, cuando solo tenía 44 años.

Lauren Beukes, escritora y guionista de cómics sudafricana, habla de su país, de una de las constituciones más progresistas del mundo, de su revolución no violenta, del orgullo de tener a una persona tan inspiradora como Nelson Mandela. Y de la frustración de que el sudafricano actual con más poder sea un “idiota”, el millonario Elon Musk, que hace poco dijo que la empatía es la mayor debilidad de la civilización occidental. “En realidad, la historia nos demuestra que los fascistas son estúpidos”, dice. “En Sudáfrica, durante el apartheid, se prohibieron muchos libros. Por supuesto las memorias de Mandela, pero también Lolita y los libros que hablaban de sexo. También prohibieron Black Beauty, un libro sobre caballos, no podían permitir que estas dos palabras, negro y bello, fueran juntas. Eran así de ridículos. El problema es que querían que todos fuésemos también estúpidos”.

“Yo cumplí todo lo que se nos pedía a los migrantes durante 20 años. Me porté bien. Pero nunca me sentí anfitriona, siempre fui invitada. Ahora ya no quiero volver a sentirme así”. Sandi Hilal, arquitecta palestina creadora del estudio DAAR junto a su pareja, el también arquitecto Alessandro Petti, relata su peripecia vital en Italia. ¡Solo se puede ser invitado tres días, es muy opresivo ser huésped toda la vida!, proclama, casi grita. Daar es casa, hogar, en árabe. También es Decolonizing, Architecture, Art, Research (Descolonización, arquitectura, arte, investigación). Un laboratorio artístico que mezcla arte, arquitectura y pedagogía comprometidos con la lucha por la justicia y la igualdad.

En Sudáfrica, durante el apartheid, se prohibieron muchos libros. Por supuesto las memorias de Mandela, pero también Lolita y los libros que hablaban de sexo

Lauren Beukes — Escritora y guionista de cómics

“¿Cómo puede ser que ahora los rebeldes sean los que admiran los discursos autoritarios?”, se pregunta, nos pregunta, el periodista y escritor José Luis Sastre. “Ante el miedo y la vulnerabilidad, la gente busca respuestas fuera. Y esa delegación de soberanía es peligrosa, va en contra de construirnos como comunidad”, advierte Antonio Monegal. “Los fascistas son estúpidos”, repite Lauren Beukes.

Hoy, las señales de alarma son claras. Camus abrió una brecha y un camino en 1951 con la publicación de “El hombre rebelde”. En 2026, las Trobades terminan con la voz y la música de la artista menorquina Anna Ferrer, que nos traslada a las labores del campo y nos convoca a una fraternidad sencilla, cotidiana. Terminan las Trobades, pero el debate, afortunadamente, continúa.

El 16 de mayo se conmemora el Día Mundial del Heavy Metal, una fecha impulsada por fanáticos del género para homenajear a una de sus figuras más influyentes: Ronnie James Dio, fallecido en 2010. La jornada se convirtió con los años en una celebración global de una cultura musical que atraviesa generaciones y mantiene una fuerte identidad propia.

Reconocido por su paso por bandas históricas como Black Sabbath, Rainbow y su proyecto solista Dio, el cantante dejó una huella imborrable en la historia del metal. También fue quien popularizó el gesto de la “mano cornuta”, convertido en uno de los símbolos universales del género.

Aunque no existe un reconocimiento oficial internacional, la fecha fue adoptada por comunidades metaleras de distintos países, que suelen celebrarla con recitales, festivales, publicaciones especiales y homenajes a discos y artistas emblemáticos.

El heavy metal nació a fines de la década de 1960 y alcanzó popularidad masiva durante los años '70 y '80. Bandas como Iron Maiden, Metallica, Judas Priest y Megadeth ayudaron a expandir el movimiento por todo el mundo, dando origen además a múltiples subgéneros.

En Argentina, el metal cuenta con una escena consolidada desde hace décadas, con referentes históricos como Hermética, Rata Blanca y Almafuerte, que marcaron a varias generaciones de seguidores.

Más allá de la música, el heavy metal se consolidó como una expresión cultural con estética, códigos y valores propios. Para millones de personas alrededor del mundo, el 16 de mayo representa una oportunidad para reivindicar un género que, lejos de desaparecer, continúa reinventándose y sumando nuevos públicos.

Catalunya sigue rendida a los pies de su gran autora de teatro: Lluïsa Cunillé. El público y la profesión saben que tienen a una Pinter entre sus filas y la cuidan. Ahora llega un plato bien fuerte, una de las obras más esperadas de la autora escrita hace diez años, pero todavía no representada en Catalunya. Dinamarca se estrena esta semana con dirección de Albert Arribas y dos de los grandes actores del teatro catalán: Pere Arquillué e Imma Colomer. La historia: puro Cunillé.

La obra aterriza en uno de los espacios naturales de la autora, la Sala Beckett, donde Lluisa Cunillé comenzó andadura junto a Sanchis Sinisterra. Dinamarca cuenta la historia de la convivencia en un piso de dos personajes, madre e hijo. Allí viven encerrados, enquistados el uno en el otro, sin futuro, fuera del tiempo. Todo explotará cuando sean acosados por fantasmas del pasado.

“Lluïsa es una de las grandes que tenemos en este país. Y precisamente esta obra es Cunillé, Cunillé”, asegura Pere Arquillué a elDiario.es, “yo ya había hecho alguna otra como L'Emperadriu del Paral·lel, pero este montaje es un obrón, era una asignatura pendiente enfrentarme a su teatro en una obra como esta”, afirma con entusiasmo el actor.

Arquillué, uno de los grandes referentes del teatro catalán, afirma que además está muy contento al poder compartir escena con Imma Colomer: “Qué voy a decir, es una de las grandes, fundadora de Els Comediants, del Teatre Lliure, es una actriz con un pasado que pesa y se nota en escena”. “Es la dupla perfecta”, dice por su lado el director de la obra, Albert Arribas. “La potente presencia de Pere frente a la aparente fragilidad, pero llena de fuerza interna, de Colomer, es el juego de equilibrios le viene perfecto a la historia”, asevera.

La máscara y el actor

Albert Arribas es el director que en los últimos años mejor ha sabido leer la poética y la teatralidad de esta autora. Las tres veces que ha dirigido su teatro (El jardí, en 2021; El gos, en 2023 y Al contrari!, en 2024) ha sabido captar el mundo liminal y poético de Cunillé, así como la ironía y la capacidad de forzar los límites dramáticos presentes en su obra.

“Albert ha conseguido ponerle ojos nuevos y una respiración nueva al teatro de Cunillé”, afirma Arquillué. “Tiene una mirada muy personal, con referencias al teatro contemporáneo alemán, por ejemplo, que ha conseguido conectar con un tipo de público al que quizá la Cunillé le daba un poco de vértigo”, explica.

Arribas, además, llega a esta cita con una nominación a los Premio Max por el montaje de Opereta imaginària, una delicia imposible, tan gamberra como intelectual, que cuenta con un gran texto del francés Valère Novarina y fue uno de los éxitos de la temporada pasada. Confiesa que su acercamiento al teatro de Cunillé fue una manera de rencontrarse con el teatro de texto: “Llevaba años yendo hacia un teatro más experimental, performativo”, confiesa, “pero el día que Cunillé me ofreció dirigir una obra suya, se produjo un enganche que dura hasta hoy”, argumenta.

El director explica que el teatro de Cunillé y el de experimentación no están peleados, “su teatro puede parecer en un principio convencional, pero esconde una escritura muy sutil y radical que pervierte todos los mecanismos de lo que llamamos drama”, razona. Algo que en Dinamarca, según el Arribas, es muy claro: “Es el Hamlet de Lluïsa, los límites de la realidad y de la representación y, por lo tanto, de la fantasía y del deseo se borran y esto permite que te acerques a su escritura de una manera muy libre a nivel escénico, muy lúdica incluso”.

Arquillué desvela que en este montaje el director ha querido introducir un potente juego teatral basado en la máscara: “Ese juego convierte la obra en una tragicomedia que raya lo esperpéntico, un esperpento con unas gotas de Kafka. Más que unas gotas un buen trago”, explica.

“El teatro de Cunillé es muy delicado”, confiesa el actor, “es un teatro de lo invisible que tienes que conseguir hacer palpable, algo para lo que necesitas mucha finura y sutilidad. Con Albert esa necesidad de tener que afinar mucho se junta con ese juego teatral que además ha de parecer fácil. La combinación es todo un reto”, concluye.

Al conversar sobre este nuevo modo de trabajar el teatro de esta autora, Arquillué espeta que “Cunillé también ha cambiado, no es lo mismo la Lluïsa del 95 que la de ahora”. Al preguntarle qué ha cambiado, el actor dice no querer meterse en camisa de once varas, “pero valga una anécdota”, apunta: “Cuando leí la obra conté 165 pausas, de las cuales 25 eran pausas largas. En este montaje casi no hacemos pausas. Y esto no es solo del director, la autora ha venido a muchos ensayos y está muy de acuerdo, le gusta que no respetemos sus pausas”.

Shakespeare es una de las sombras que sobrevuelan este montaje donde los dos personajes van dinamitando todo su entorno para ver si encuentran un sentido a su relación y su existencia, “incluso está bien presente el suicidio como en Hamlet”, apunta Arribas. “Cunillé afronta con radicalidad el tema del suicidio, asumiéndolo en su vertiente política y también en contraposición con la esperanza de encontrar una pulsión de vida, ahí la autora consigue que afloren con mucha fuerza las cuestiones esenciales del ser humano”, sostiene.

Pero la sombra del inglés no está tan solo presente en la escritura, “sino también en los mecanismos de la teatralidad. Incluso el tratamiento del espacio, que es vital en esta obra; es muy shakesperiano. Aunque la situación comience en el interior de un piso, la obra va virando hacia el exterior”, explica Arribas, que ha trabajado con Silvia Delagneau la escenografía.

“Silvia no es una escenógrafa, es una dramaturga del espacio. Y no solo porque tenga una capacidad plástica, sino porque comprende en profundidad las obras y hace que el espacio ponga de manifiesto las tensiones del texto y acompañe a los personajes en su evolución a través de la obra”, comenta Arribas sobre esta escenógrafa y vestuarista que el año pasado ganó el Premio Max con Afanador y que está detrás de trabajos fundamentales de los últimos años como Personas, lugares y cosas, Travy, Gula o La muerte o la primavera, entre otros muchos.

Llega, en definitiva, una de las obras más esperadas de la temporada. En junio, Cunillé estrenará un nuevo montaje dirigido por Carlota Subirós, La Ruta, en el Festival Grec. Cunillé encarna una de las apuestas más personales e intransferibles de nuestra escena. Su teatro, tan liminal como ético, tan cotidiano como evocador en sus silencios y subtextos, abre al espectador un espacio fuera del tiempo donde poder mirarse. Lejos quedan montajes como L'aniversari (1999) o Barcelona, mapa d'ombres (2004). Pero lo bueno es que una de las historias más retadoras y asombrosas de nuestro teatro sigue bien viva y presente.

En el corazón del barrio de Gràcia de Barcelona ha abierto sus puertas un pequeño templo de la cultura palestina. Este viernes 15 de mayo, coincidiendo con la conmemoración de la Nakba, ha nacido la librería Finestres Palestina, un local que guarda en unas estanterías decoradas con los colores de la bandera miles de títulos sobre la historia, la memoria y la lucha de este pueblo.

La librería, que se suma a las otras dos que ya tiene el grupo Finestres (una en Barcelona y otra en Palamós), pretende ser un “lugar de encuentro, formación y pensamiento crítico”. El espacio incorpora un fondo de 4.000 títulos en castellano, catalán, árabe, inglés y francés. Entre los títulos que se podrán encontrar hay literatura, ensayo, poesía, arte, narrativa, teatro y gastronomía, cómic y literatura infantil.

“La pregunta no debería ser por qué abrimos una librería dedicada a la causa del pueblo palestino, sino por qué nadie lo ha hecho antes”, ha reflexionado Sergi Ferrer-Salat, presidente de las Fundaciones Ferrer, conjunto en el que se engloba la Fundació Finestres. “El sionismo controla el relato y nosotros queremos contribuir a la toma de conciencia colectiva”, ha añadido.

Esta es, de hecho, la primera librería dedicada únicamente a esta causa que se abre en el mundo, fuera de Palestina, tal como ha explicado la directora ejecutiva de la UNRWA, Raquel Martí. “En este momento de desinformación y noticias falsas, es fundamental tener un lugar para profundizar en la historia de Palestina. Descubrir no sólo su sufrimiento, sino su riqueza cultural”, ha añadido.

Desde la Fundación también han querido hacer hincapié en que la función de la librería será generar conciencia crítica y erigirse como un lugar de debate y reflexión. “Creemos en el poder infinito de transformación de la cultura”, ha apuntado Estefanía Rico, directora de las Fundaciones Ferrer.

La librería Finestres Palestina ha cuidado mucho su fondo cultural, que ahora mismo todavía está a la mitad de su capacidad. Faltan por llegar unos 2.000 títulos, la mayoría de ellos en árabe, que no han podido aterrizar todavía debido a los bloqueos que pesan sobre la región.

“El sionismo, con la ayuda de los poderes económicos, políticos, los medios de comunicación y, sobretodo, de Estados Unidos, está intentando colonizar no sólo el espacio, sino también la cultura”, ha apuntado Ferrer-Salat, que también ha querido alzar la voz sobre “la crueldad y la virulencia” del conflicto en Palestina, uno que “condensa como ningún otro las consecuencias del triángulo fatídico de imperialismo, capitalismo y racismo que nos traen al mundo de hoy”.

En este sentido, han querido insistir en que el fondo no sólo está formado por escritores palestinos, sino también por expertos e historiadores internacionales entre los cuales hay también israelíes. “No vamos a negar ningún punto de vista, tampoco el israelí, siempre que no sea expresado desde una voluntad adoctrinadora”.

Un espacio pensado al milímetro

La decoración de la librería hace que se respire Palestina en todos sus rincones. No sólo se trata de la gama de colores utilizada, sino que el espacio cuenta con una fuente interior decorada con un mosaico en forma del territorio del país. El diseño ha corrido a cargo de un arquitecto palestino, que ha querido crear un espacio “íntimo y acogedor, que invite a la lectura, pero también al diálogo”.

Para ello, la librería va a estar a cargo de Olivia Watson, una mujer que ha vivido dos años en Palestina como trabajadora de Médicos Sin Fronteras. Compensa la inexperiencia en el mundo literario con una concienciación y conocimiento de la causa palestina, motivo que la hizo “ideal” en el proceso de selección que realizó Finestres.

“No hacer nada no es una opción. Pero hay muchas maneras de resistir al horror. Podemos trabajar para conectarnos y construir un mundo más humano. Y la herramienta más poderosa para eso es un libro”, ha apuntado Watson. La librera de este nuevo espacio ha invitado al barrio y a la ciudadanía en general a acercarse al recinto, en el que se prepara una intensa agenda de actividades con escritores, músicos y pensadores especializados en la cuestión palestina.

Desde la librería son conscientes de que poner esta causa en el centro y el alma de la librería puede ponerles en la diana de ataques, bandalismo o intentos de saboteo. De hecho, el pasado junio ya vivieron un saboteo en su tienda de Barcelona, donde una treintena de tomos dedicados a Palestina quedaron manchados de café. “Esperemos que no pase. Si alguien tiene algo que decir, aquí estamos siempre abiertos a debatir”, ha remachado Watson.

No parece fácil transformar una grieta en el suelo, un chicle pegado a una acera o una convención sobre ladrillos en una meditación sobre la soledad, el paso del tiempo y la manera en la que habitamos las ciudades, pero es exactamente lo que ha hecho John Wilson con su primer largometraje The History of Concrete (La historia del hormigón).

Tras el fenómeno de How To with John Wilson, una de las series más singulares surgidas de la televisión estadounidense en los últimos tiempos, Wilson ha venido a Barcelona a presentar su nuevo trabajo, estrenado en Sundance y proyectado en una sesión especial del festival DocsBarcelona 2026.

En esta nueva película, de la que resulta muy complicado contar el argumento, el director construye un dispositivo cinematográfico que funciona tan bien como su serie, dejándose llevar a través de ferias de construcción, problemáticas inmobiliarias, infraestructuras que se desmoronan y ese tipo de personajes que parecen existir únicamente dentro de su universo cinematográfico.

El tema, como también ocurría en su serie, es solo una excusa. El hormigón termina convirtiéndose en una reflexión sobre la permanencia, la decadencia y la dificultad de avanzar en una época marcada por la precariedad y la incertidumbre.

Las críticas hasta el momento son casi unánimes al calificar el largometraje como una prolongación natural de su serie, aunque expandida hacia un terreno más melancólico y político. The Guardian, por ejemplo, la definió como “un triunfo absurdo” capaz de convertir un material aparentemente anodino en una exploración profundamente humana sobre el cambio y la inseguridad contemporánea. The Hollywood Reporter, por su parte, destacó la capacidad de Wilson para encontrar revelaciones emocionales en lo ordinario y calificó al cineasta como “el Werner Herzog de lo mundano”. Ambos textos coinciden en algo fundamental: nadie mira a las ciudades, ni a las personas que las habitan, como él.

Siempre he querido preguntarle por su manera de trabajar. ¿Qué viene primero: observar la realidad, las imágenes que encuentra o la idea de lo que quiere decir?

Normalmente todo empieza grabando. Suelo comenzar intentando hacer un documental bastante convencional, pero luego llega un punto en el que la escritura, el rodaje y el montaje tienen que hacerse simultáneamente. Grabo, mezclo las imágenes en un proyecto y escribo textos encima de ellas: posibles chistes, por qué grabé eso, etc.

Necesito hacerlo mientras todavía tengo fresca en la cabeza la idea de por qué era gracioso o interesante. Muchas veces cuando estoy filmando algo ya sé por qué me hace gracia esa escena. Entonces lo añado al proyecto. Luego reúno todos mis planos favoritos en una misma secuencia e intento encontrar la manera de construir, usando más imágenes, un camino que lleve hasta ellos.

Gran parte del proceso consiste en ir frenéticamente hacia adelante y hacia atrás entre los planos buscando cosas que quiero asegurarme de incluir en la película. Creo que por eso filmo tanto y he hecho un largometraje: me preocupa que esas imágenes se pierdan en un disco duro. Necesito, de alguna manera, compartir esos recuerdos poniéndolos dentro de una película.

Su trabajo está muy ligado a Nueva York y a Estados Unidos. ¿Cree que su forma de contar historias podría haber nacido lejos de Manhattan?

Creo que Nueva York tiene una cualidad que siempre he querido capturar. También siento que conozco las reglas de allí, y eso me da cierta tranquilidad. Sé cuándo estoy cruzando una línea roja o cometiendo algún tipo de error. Porque cuando intento filmar en otros países me vuelvo mucho más tímido y me preocupa meter la pata, porque sé que la gente tiene reacciones distintas ante una cámara.

En Barcelona estuve grabando en la Sagrada Familia y en el edificio Walden 7, de Ricardo Bofill. Era un lugar increíble. Impresionante. Intenté entrar pero no pude. En Nueva York normalmente puedo fingir que soy repartidor o algo parecido, pero aquí todo el mundo me decía que no. Así que quizá simplemente necesito hablar mejor el idioma.

Pasar de episodios de menos de 30 minutos en HBO a un largometraje sobre algo tan (literalmente) árido como el hormigón es un cambio importante. ¿Fue difícil hacer esa transición?

Siento que no lo fue. Creo que simplemente cambié unas reglas por otras, aunque también me di cuenta de que trabajo bien con ciertas limitaciones. Tener un límite de 28 minutos estaba bien porque te obligaba a meterlo todo en un contenedor muy ajustado y a eliminar lo que realmente no funcionaba.

Con esta película me sentía un poco perdido, sin estructura. Por eso, como aparece en el documental, quise apuntarme a un curso para escribir películas tipo Hallmark [telefilmes románticos, muy sentimentales y previsibles, casi siempre con final feliz y estética navideña o familiar], para que me dieran algún tipo de marco narrativo.

Porque aunque me aleje bastante rápido de él en la película, necesito esa estructura, ya sea para ir en contra de ella o para abrazarla. Creo que eso es un poco lo que intento demostrar en la película: que lo importante es hacer el trabajo y que aquello a lo que te resistes a veces termina convirtiéndose en el esqueleto de lo que estás haciendo.

¿Por qué decidió contar la historia del hormigón?

Simplemente, porque nunca había visto una película sobre eso. Además, los cimientos de mi casa se estaban agrietando y tenía problemas de inundaciones. También encontré un libro sobre el hormigón y, en el prólogo, el autor decía que lo había escrito porque nadie más lo había hecho antes: una especie de gran historia del material, de sus defectos y de cómo ha evolucionado. Era un libro crítico con el material y nunca había pensado en el hormigón de esa manera. Me pareció muy inspirador.

Aunque también era deprimente, porque el hormigón está por todas partes y se está desmoronando. Creo que estamos llegando al final de un siglo de uso masivo de este material y vamos a empezar a ver muy rápido hasta qué punto es defectuoso.

He vivido con toda esa información durante los últimos años y era un auténtico mata-conversaciones cada vez que sacaba el tema en un bar o algo así. Así que trabajar en el proyecto resultó bastante solitario, sobre todo porque no tenía mucho apoyo económico. La gente con dinero para financiar la película no acababa de entenderlo. Aunque sí tuve muchísimo apoyo de amigos cercanos, sin ellos probablemente me habría derrumbado yo también.

¿Por qué cree que su manera de contar historias conecta con tanta gente?

Creo que parte de la dificultad de encontrar financiación para mis ideas es que no siempre es fácil explicar el valor que tienen. Sé que hay algo muy primario en estas imágenes que a la gente le gusta y por eso las filmo y quiero mostrarlas.

A la gente le encanta ver a personas normales en situaciones normales y ese material nunca se agota ni caduca.

Trump es el resultado de la creciente popularidad del sector inmobiliario en la industria del entretenimiento”

Hay mucha ternura en la forma en la que filma a los desconocidos. Pero el montaje suele ser bastante irónico. ¿Graba a la gente como una especie de celebración de la humanidad o para mostrar que, si observamos a cualquiera el tiempo suficiente, todos acabamos pareciendo un poco absurdos?

No sé si siempre es una celebración de la humanidad (risas). Mira, es como cuando mi padre compró nuestra primera cámara de vídeo, en 1995 o así, lo primero que hizo fue grabarse comiendo un bol de cereales. Y yo le pregunté: “¿Por qué haces eso?”. Y él me respondió: “Porque nunca me había visto haciéndolo”.

Hay algo muy interesante ahí. Mucho de lo que hacemos es pura performance. Y creo que el verdadero valor está en los momentos intermedios: cuando esperamos, cuando nos movemos nerviosos, cuando no pasa nada. Eso es lo más humano para mí.

También me gusta mucho trabajar como si hiciera collages. Me parece muy divertido encontrar patrones en la manera en la que se comporta la gente.

Creo que hay una especie de mirada omnisciente muy interesante en estudiar cómo actúan las personas en el espacio público. Hay muchísima información emocional ahí y yo siempre estoy excavando en ella.

Cada vez que entrevisto a un artista estadounidense acabamos hablando de Trump. No pensaba hacerlo en esta ocasión, pero… ¿cree que sus películas son políticas de alguna manera?

Sí, totalmente. Creo que, de hecho, esta es la película más política que he hecho. No solo porque en ella aparecen figuras políticas de Nueva York y la película habla mucho sobre la necesidad de vivienda asequible en la ciudad y el mundo inmobiliario neoyorquino, sino porque, aunque no lo digo explícitamente en la película, siento que Trump es el resultado de la creciente popularidad del sector inmobiliario en la industria del entretenimiento.

En Trump espectáculo y real state se han fusionado dando lugar a una figura horrible, celebrado durante toda su vida como un magnate inmobiliario. Creo que deberíamos separar el mundo de los famosos del mercado inmobiliario. Tampoco creo que el sector inmobiliario deba ser algo que genere ese nivel de riqueza.

Las convenciones, ferias profesionales y reuniones de personas con intereses muy concretos aparecen mucho en su trabajo. ¿Qué le atrae de esos espacios?

Me encantan las convenciones y las ferias profesionales porque están llenas de gente que quiere hablar contigo. Para alguien socialmente ansioso esto es maravilloso. Y además suelen estar llenas de otras personas que también tienen ansiedad social y que, en ese contexto, consiguen hablar de una manera mucho más abierta de lo que harían en otros espacios.

A veces siento que abuso un poco de ese recurso, pero también es donde ocurren un montón de cosas extrañas y maravillosas como el concurso de levantar tabiques que aparece en esta película y que es de las mejores cosas que he visto en mi vida.

Para terminar, mucha gente fantasea con retratar su entorno de la misma forma que lo hace usted, con hacer una versión propia de su programa. ¿Qué consejo les daría?

Por favor, que no intenten imitar la cadencia de mi voz. Pueden hacer lo que quieran excepto eso. He visto vídeos de gente que imita mi trabajo y a veces eligen temas muy interesantes, pero se encallan intentando reproducir mi estilo demasiado fielmente.

Sin embargo, también he visto versiones de mis películas hechas con una voz propia, con otro ritmo, ejemplos muy buenos de ensayo cinematográfico. Eso es lo que me interesa promover: el ensayo audiovisual en sí, no la idea de imitar exactamente mi trabajo.

La dinosauria Devi y la palentóloga Laura Icnita llegarán a atrapar la atención de los niños y niñas que entren a visitar el Museo del Jurásico de Asturias (MUJA), en la Rasa de San Telmo, en el concejo de Colunga, y quienes se desplacen hasta el Parque de la Prehistoria de Teverga podrán sorprenderse al ver cómo se las arreglaban los primeros humanos para hacer fuego; pero si la visita se realiza en el Centro de Recepción e Interpretación del Prerrománico Asturiano, en Oviedo/Uviéu, se podrá disfrutar de experiencias inmersivas con realidad virtual para viajar al siglo IX y descubrir este patrimonio desde una perspectiva innovadora.

Estos son solo algunos ejemplos de la variada y amena oferta que se ha programado en Asturias para conmemorar que el día 18 se celebra el Día Internacional de los Museos y, como adelanto, hay una treintena de actividades que se pueden realizar este próximo fin de semana.

Actividades para todos los públicos

El plan puede resultar muy divertido si se aprovecha bien la variada y amplia oferta diseñada, ya que la Consejería de Cultura, Política Llingüística y Deporte se suma un año más a la celebración del Día Internacional de los Museos.

La propuesta incluye talleres, visitas guiadas, conciertos, experiencias inmersivas, actividades familiares y jornadas de puertas abiertas y habrá eventos diseñados específicamente para todas las edades, de manera que habrá actos destinados al público infantil, familiar y a los adultos.

Del patrimonio a la tradición etnográfica

Hay para elegir las materias, de forma que se podrá seleccionar entre todas las opciones que existen la que consideran mejor para conocer de cerca el patrimonio, la arqueología, la paleontología, el arte, la música y la tradición etnográfica.

Entre las propuestas programadas por los diferentes equipamientos culturales destacan las visitas a los laboratorios y litotecas del Museo del Jurásico de Asturias, donde el público podrá conocer el trabajo científico que desarrollan.

Excavación del dinosaurio

También se podrá participar en talleres infantiles de preparación e interpretación de fósiles, disfrutar de audioguías familiares protagonizadas por la dinosauria Devi y la paleontóloga Laura Icnita, y asistir a la visita de Pablo Puerta, técnico en Paleontología y responsable de logística del Museo Paleontológico Egidio Feruglio de Trelew (Argentina), que participará en la nueva campaña de excavación del dinosaurio hallado en la playa de Vega, en el concejo de Ribadesella.

Las visitas guiadas gratuitas y los talleres son la mejor forma de acercarnos al trabajo que se realiza en el Centro de Arte Rupestre Tito Bustillo.

Visitas guiadas a la Cueva de Cuevas

En el Parque de la Prehistoria de Teverga se mostrará cómo hacían fuego los primeros humanos y habrá visitas guiadas a la Cueva de Cuevas, con entrada gratuita a todo el equipamiento.

El Museo Etnográfico de Grandas de Salime Pepe el Ferreiro ofrecerá música y actividades junto a la Asociación Cultural El Carpio y acogerá la entrega de sus premios literarios y un concierto del dúo Mestura. 

Más de 200 piezas arqueológicas

La programación se amplía, además, a otros equipamientos museísticos y culturales asturianos. Así, el Museo Arqueológico de Asturias, en Oviedo/Uviéu, inaugurará mañana, viernes, la exposición Del Mediterráneo al Pacífico. El legado arqueológico de Manuel Bayón, una muestra integrada por más de 200 piezas arqueológicas procedentes de distintas culturas del Mediterráneo antiguo y del mundo precolombino.

El Museo de la Minería y la Industria de Asturias (MUMI), ubicado en El Entrego/L'Entregu, celebrará el próximo martes, día 19, una jornada de puertas abiertas y habrá visitas guiadas a su exposición permanente.

El Museo de Bellas Artes de Asturias, en Oviedo/Uviéu, organiza talleres sensoriales, visitas temáticas y actividades participativas para distintos públicos.

El Museo Evaristo Valle, en Gijón/Xixón, celebrará jornadas de puertas abiertas, visitas guiadas y propuestas participativas vinculadas al arte y la naturaleza, mientras que el Museo del Oriente de Asturias, en Porrúa (Llanes), propone recorridos sobre arquitectura indiana y memoria social.

Experiencias inmersivas

Una visita interesante se puede hacer al Centro de Recepción e Interpretación del Prerrománico Asturiano, que ofrecerá experiencias inmersivas con realidad virtual para viajar al siglo IX y descubrir este patrimonio desde una perspectiva innovadora.

La información completa sobre horarios, reservas y características de las actividades puede consultarse en la página web de cada equipamiento cultural.

“Museos uniendo un mundo dividido”

El Día Internacional de los Museos es una iniciativa impulsada por el Consejo Internacional de Museos (ICOM) bajo el lema Museos uniendo un mundo dividido, destaca en esta edición el importante papel que desempeñan estos espacios como puentes entre las divisiones culturales, sociales y geopolíticas para fomentar el diálogo, el entendimiento, la inclusión y la paz.