Hiroshima es símbolo de reconstrucción y renacimiento. Es esperanza y fuerza. Por Gaston Core representa la capacidad del hombre de volver a empezar, de tirar siempre adelante. La crisis no impidió montar una sala de teatro con un modelo diferente de gestión, programación y de comunicación con un público determinado. También contribuyó la falta de propuestas alternativas y las ganas de buscar nuevas maneras de pensar las cosas. En sólo tres años, se ha consolidado en el Poble Sec como espacio de exhibición con espectáculos muy particulares: escena alternativa de calidad, preferentemente danza pero también artes visuales, música y teatro. Este espacio de pequeño formato ha programado 135 compañías y atraído 20.000 espectadores. Conversamos con su artífice, el ex bailarín y actor miembro de La zoológica, Gaston Core.
¿Cuáles son las líneas generales de la programación de esta temporada?
Seguimos una línea de programación centrada con artistas nacionales e internacionales. Con una programación basada en la creación contemporánea y las nuevas escenas. Estamos hablando de propuestas de mediano y pequeño formato y productos con un alto nivel de riesgo e innovación dirigidos a un público en general, no necesariamente aficionado al teatro.
¿Cómo se puede llegar a otros públicos que en principio no están interesados en el teatro ni en propuestas arriesgadas?
Hay que comunicar de otra manera con el público. Tiene que haber la posibilidad de que el público se anime a ver un espectáculo contemporáneo y que éste pueda aportar algo y enriquecer su visión del arte.
¿Por qué tendemos a subestimar la capacidad del espectador?
No somos conscientes de que el espectador es más listo de lo que pensamos. Como programadores y salas no arriesgamos suficiente. Piensa que el espectador es capaz de descodificar más rápido de lo que pensamos cualquier tipo de lenguaje y de propuesta escénica. De ahí que las propuestas de Hiroshima tengan diferentes capas, diferentes niveles de lectura. El espectador actual está acostumbrado a la tecnología, al digital, al bombardeo constante de imágenes. Por lo tanto, me cuesta entender que no sea capaz de descodificar otros lenguajes. Si creemos que este espectador no existe volveremos a lo de siempre y nos equivocaremos.
¿Cómo se adapta la línea artística a las características del espacio?
Apostamos por hacer una programación muy dinámica, de ahí la rotación de espectáculos. Nuestro público le gusta dejarse sorprender. Además, un buen porcentaje de los artistas vienen de fuera, y esto hace inviable mantenerlos en cartel durante muchos días. De hecho, las lógicas de programación son muy parecidas a las de un festival. Por eso esta temporada nos presentamos con un lema muy explícito: The longest festival of the year. De alguna manera un festival es nuestro ritual contemporáneo, donde vamos a celebrar. Muchos de los artistas están centrando sus investigaciones en la naturaleza del grupo, como se crea una comunidad, como generamos una colectividad.
¿Cómo se gesta una identidad común?
Algunos artistas lo hacen desde la investigación coreográfica, buscando en movimientos concretos. Aina Alegre explora las danzas y tradiciones populares de Catalunya y del Mediterráneo; Reinaldo Ribeiro hace lo mismo con la samba del carnaval; Núria Guiu investiga en torno a los fenómenos de masas que se generan en las redes sociales… Otros artistas de la programación buscan generar una experiencia colectiva de tráfico o ritual entre el espectador y la escena recuperando formas como el expresionismo o la performance. Es el caso del australiano Luke George o de la caboverdiana Marlene Monteiro Freiras.
Después de dedicar el primer año de proyecto al posicionamiento de la sala y el segundo a la internacionalización, cuáles son los objetivos de esta cuarta temporada?
Un primer objetivo es focalizar recursos en el acompañamiento artístico, mediante la figura del artista asociado, aquel artista de la escena local que ya ha hecho una o dos piezas pequeñas con una cierta notoriedad, y está en el punto en que necesita un pequeño empujón, una estructura eficaz, que acompañe, que le dé un consejo a nivel artístico pero también administrativo y de estrategia. El segundo objetivo es ensanchar los públicos, y esto significa también romper prejuicios. Queremos generar nuevas audiencias para la escena contemporánea, atraer a la sala gente que, si llegara, seguramente disfrutaría de los espectáculos. Gente de mundos muy diferentes.
También estableciendo vínculos con otros festivales.
En marzo programaremos una selección especial de artistas representativos de la escena emergente en el marco del Festival Metropolità de Dansa. De este repertorio especial forman parte dos propuestas artísticas que presentan una visión femenina de la escena: la performance MI-RU, de Kotomi Nashiwiki y Miquel Casaponsa y la pieza de Daina Ashbee, Pour. La obra de Ashbee es una oda al cuerpo de la mujer ya su naturaleza, que sorprende por una reflexión plástica sobre la posición del cuerpo femenino en la sociedad.
¿Por qué las artes escénicas han dejado de ser una experiencia y un punto de encuentro y celebración?
En buena parte por culpa de las líneas de programación, son excelentes pero tienen otro recorrido. Luego también hay un tema estructural: las salas se ven asfixiadas por los alquileres y los espacios pequeños con normativas estrictas que no permiten expandir la propuesta de la representación: tú entras en el teatro, voces del espectáculo y te vas. No hay espacio para generar otro tipo de discursos. Y claro, si siempre somos los mismos que vamos al teatro esto acaba normativizando el hecho de ir al teatro y acaba siendo un acto funcional.
Ustedes inciden en el pensamiento en torno a un trabajo artístico.
En Hiroshima nos gusta crear espacios de reflexión en base a un artista. Organizamos talleres y workshops asociados a una propuesta artística en concreto. Quien se interese por el espectáculo podrá entender por qué el artista trabaja de una manera u otra.
Barcelona vende una imagen de modernidad e innovación. ¿Cómo se relaciona esa imagen con la realidad interna?
Existe un síndrome Barcelona, y esto es la percepción de que los atributos que la marca ha sabido abanderar en gastronomía, moda y diseño deben estar representados en el resto de ámbitos imaginables. En lo que a escena contemporánea se refiere, creo que aún nos queda camino por recorrer.
¿Cómo dialoga con el sector cultural de la ciudad?
Pensar la cultura desde sus actores y no desde la institución es una asignatura pendiente, utilizando la observación directa como método y no solo el análisis estadístico. Hace falta repensar el tejido cultural y su dificultosa interrelación con el sector público.
¿Es posible apostar por la cultura desde lo público sin dejar de estimular la iniciativa independiente?
Es necesario construir sobre la diversidad apostando también por la cultura más independiente, y por proyectos capaces de cuestionar, de replantear, de imaginar, una nueva ciudad cultural más allá de las modas y las marcas. Es necesario definir unas líneas estratégicas que puedan sobrevivir los cambios de gobierno, que permitan construir de forma progresiva y a largo plazo.
Sobre este blog
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